Di momen yang terasa hening sekaligus menegangkan, komunitas drum baru-baru ini mengetahui nama-nama 40 drummer muda berbakat yang akan melaju ke babak berikutnya kompetisi Zildjian US Young Drummer of the Year 2025. Entri telah diselesaikan pada tanggal 7 Juli 2025: sedikit lebih lambat dari yang diharapkan, berkat tenggat waktu yang diperpanjang, dan pada tanggal 21 Juli, para finalis muncul, nama mereka akan diingat.
Sangat mudah untuk membayangkan para remaja: beberapa mungkin sedang bermain-main di kamar tidur mereka, yang lain berlatih peralatan di auditorium sekolah, bertanya-tanya apakah kali ini mereka akan diperhatikan. Dan perhatikanlah mereka. Diurutkan berdasarkan abjad nama depan, lineupnya mencakup nama-nama seperti Aaron Donaghey, Zahdiel Caleb Aviles Pomales (ya, itulah nama yang menari-nari di lidah), Jaxon Lozano, Sami Sanghrajka, Xuanjin Ren, dan masih banyak lagi, masing-masing membawa ceritanya masing-masing.
Lebih dari sekedar daftar, susunan pemain ini terasa seperti mosaik. Keberagamannya, dalam hal-hal yang penting: tidak hanya sebatas permukaannya saja, namun jenis keberagaman yang Anda rasakan saat menyaksikan dua drummer dengan latar belakang berbeda bergabung di atas panggung. Ini adalah perayaan budaya yang disamarkan sebagai kompetisi, penuh dengan janji dan antisipasi.
Kini, perhatian tertuju pada 11 Agustus, saat 10 teratas akan terungkap. Tanggal tersebut sepertinya sudah sangat dekat namun masih tetap nyaman di masa depan, menawarkan sedikit ketegangan bagi semua orang yang terlibat.
Apa yang dikatakan di sini tentang masa muda, kreativitas, dan ritme saat ini? Dikatakan bahwa drum masih menyentuh hati orang-orang: terkadang lebih keras daripada kata-kata, membawa gaung budaya jazz, hip-hop, irama Afro-Kuba, indie rock, bahkan suasana jalanan kota di malam hari. Ini memberi tahu kita bahwa para seniman muda ini mendengarkan: dengan sepenuh hati dan hati.
Beberapa orang mungkin bertanya-tanya, apakah persaingan itu penting? Ya, karena pada usia 16 tahun atau lebih muda, mendapatkan pengakuan top‑40 dari Zildjian merupakan bukti warisan lama dalam permainan drum. Ini seperti diberi tahu, “Ya, tempat Anda berada di sini. Teruskan.”
Ada sensasi yang tenang dalam validasi itu. Dan tentu saja, beberapa akan melakukan pemotongan berikutnya; orang lain akan menonton dari pinggir lapangan, mungkin dengan sedikit rasa nyeri di dada, mungkin nafas sedikit gemetar. Tapi berada di 40 besar? Itu adalah kenangan yang dibawa seumur hidup oleh seorang drummer muda.
Dan tahukah Anda, di suatu tempat di Nashville pada tanggal 12 Oktober, pada acara final, akan ada masa depan yang cerah dan cerah. Para penabuh drum akan tersenyum, atau mungkin terlihat sangat fokus, dan dunia akan mendengarkannya.
Coba bayangkan ini sebentar. Anda berada di dalam pesawat ruang angkasa, dindingnya ditutupi kabel dan saklar, ada dengungan samar di belakang Anda. Di luar? Kanvas hitam tak berujung. Di depanmu? Sebuah drum pad, tergantung di udara. Satu tongkat melayang melewati bahu Anda, yang lain berputar perlahan, seolah-olah waktu telah memutuskan untuk sedikit rileks, dan Anda sedang bermain drum.
Anda menjangkau. Mengetuk.
Suaranya tajam, hidup, memantul di sekitar kabin dengan cara yang terasa familiar sekaligus… berbeda. Dan tongkatnya? Itu tidak jatuh kembali ke tangan Anda. Anda harus menariknya.
Itu, temanku, bermain drum dalam gravitasi nol.
Ini adalah pemikiran yang liar, namun bukan sesuatu yang mustahil. Eksplorasi luar angkasa tidak akan berhenti dalam waktu dekat, dan jika kita belajar sesuatu dari sejarah manusia, ke mana pun kita pergi, musik akan selalu mengikuti. Keingintahuan sebenarnya bukanlah “Bisakah kita bermain drum di luar angkasa?” Ini adalah “Bagaimana ruang akan mengubah permainan drum itu sendiri?”
Apa Pengaruh Gravitasi Nol terhadap Suara dan Gerakan
Mari kita perjelas: ruang angkasa tidak mematikan suara. Selama Anda berada di kabin bertekanan dengan udara, gelombang suara berperilaku seperti di Bumi. Apa perubahannya Anda.
Di sini, di tanah, Anda mengangkat tongkat Anda, gravitasi membantunya jatuh, dan Anda memandu pantulan. Dalam gravitasi nol, tidak ada kejatuhan. Setiap pukulan dilakukan dengan kekuatan sendiri, setiap pengangkatan dilakukan dengan sengaja. Tidak ada pantulan alami untuk bersandar, sehingga kerja otot berlipat ganda.
Lalu ada tubuh itu sendiri. Anda tidak bisa menginjakkan kaki untuk stabilitas. Tidak ada “duduk di belakang perlengkapan” dalam pengertian tradisional. Inti tubuh Anda menjadi jangkar, kaki Anda mungkin diikat menjadi lingkaran atau diselipkan di bawah tali kekang. Anda mulai menyadari: bermain drum bukan hanya tentang tangan Anda. Ini tentang keseimbangan, dan tanpa gravitasi, keseimbangan adalah permainan yang benar-benar baru.
Jika Anda pernah mencoba bermain drum sambil berbaring telentang di tempat tidur, Anda pasti pernah merasakannya. Hanya di luar angkasa, seluruh tubuhmu tertahan, perlengkapanmu berusaha melayang bersamamu.
Eksperimen Musik Luar Angkasa Pertama
Musik telah memasuki orbitnya, meski tidak banyak dalam bentuk drum. Gitar, seruling, harmonika, bahkan satu atau dua keyboard, telah dimainkan dalam misi. Chris Hadfield memetik Keanehan Luar Angkasa di ISS, dan beberapa astronot melewati shaker atau rebana di antara mereka hanya untuk tertawa.
Drum kit lengkap? Tidak terlalu banyak. Mereka besar, berat, dan, yah, berisik. Namun bukan berarti perkusi tidak ada lagi. Bantalan kecil dan perkusi tangan dapat diikatkan ke dinding. Modul drum elektronik dapat dimasukkan ke dalam tas laptop. Yang diperlukan hanyalah sedikit rekayasa, dan mungkin seorang drummer bersedia bereksperimen sambil melayang 400 kilometer di atas planet ini.
Teknik Drum Ditata Ulang di Luar Angkasa
Tidak adanya gravitasi membalikkan semua yang Anda ketahui tentang bermain drum.
Pegangan dan Pukulan Tanpa rebound, Anda menarik tongkat kembali setelah setiap pukulan. Genggaman yang lebih longgar mungkin tidak akan berhasil. Pita elastis atau tongkat pegas bisa menjadi standar baru.
Pengaturan Kit Lupakan floor tom yang bertumpu pada kaki. Di luar angkasa, setiap bagian perlu dipasang atau diikat. Bayangkan sebuah peralatan mengambang seperti gelembung di sekitar Anda: bantalan di satu sisi, trigger simbal di sisi lain, semuanya dalam jangkauan lengan.
Sikap Anda tidak sedang duduk. Anda melayang, atau Anda terikat. Itu berarti gerakan lengan berubah. Anda mungkin akan menggunakan gerakan yang lebih kecil dan terkontrol hanya untuk menghindari berputar-putar di tengah lagu.
Sejujurnya? Ini adalah jenis tantangan yang dapat melahirkan gaya bermain baru, sesuatu yang mungkin akan ditiru oleh para drummer Earth di masa depan.
Bagaimana Luar Angkasa Dapat Menginspirasi Irama Baru
Rasa fisik dari sebuah irama berbeda tanpa beban. Rebound yang lebih lambat dapat menghasilkan ritme yang berlarut-larut dan menghipnotis. Atau ketepatan setiap gerakan menghasilkan alur yang sangat rapat seperti mesin.
Lalu ada psikologi. Saat Anda mengorbit planet ini, menyaksikan matahari terbit setiap 90 menit, kesadaran Anda akan waktu berubah. Bisakah gravitasi nol menciptakan pola yang terasa asing di telinga bumi? Mungkin.
Bahkan keheningan mungkin akan didefinisikan ulang. Jeda di luar angkasa terasa lebih berat, anehnya, bahkan tanpa gravitasi. Ia tetap hidup di udara seolah-olah itu adalah bagian dari musik.
Hubungan Manusia dengan Irama dalam Isolasi
Kehidupan di luar angkasa bukan hanya tentang ilmu pengetahuan, tapi tentang bagaimana kita tetap menjadi manusia. Hari-harinya panjang, krunya sedikit, dan rutinitasnya tiada henti. Musik menjadi lebih dari sekedar hiburan; itu adalah garis hidup.
Bermain drum, khususnya, memiliki cara untuk menghilangkan ketegangan. Sesi jam singkat bisa menjadi acara utama dalam seminggu. Hal ini dapat membantu menandakan “akhir shift” dalam lingkungan di mana siang dan malam tidak ada artinya.
Apakah itu akan membuat Anda merasa lebih dekat dengan rumah? Atau akankah iramanya mengingatkan Anda seberapa jauh Anda telah menyimpang darinya? Jawaban itu mungkin tergantung pada drummernya.
Mungkinkah Permainan Drum Luar Angkasa Membentuk Musik Bumi?
Setiap lingkungan baru meninggalkan pengaruhnya pada musik: kota, budaya, bahkan iklim. Luar angkasa mungkin menjadi yang berikutnya.
Bayangkan sebuah band di Bumi mencoba meniru “alur orbital” di studio. Atau seorang drummer yang melakukan penerbangan singkat tanpa gravitasi hanya untuk merekam bagian yang tidak dapat direplikasi dalam kondisi normal.
Dan mengapa berhenti di situ? Bayangkan sebuah konser di mana pemain perkusi berada di orbit, menyiarkan langsung penampilan mereka secara sinkron dengan band di Bumi. Itu bukan fantasi lagi. ini adalah rintangan teknis yang semakin dekat untuk kami selesaikan.
Tantangan Membawa Drum ke Luar Angkasa
Kenyataannya: Mendapatkan instrumen di sana tidaklah mudah.
Biaya Berat: Setiap kilo diperhitungkan dalam ruang kargo. Snare drum yang berat? Itu real estat yang mahal.
Kontrol Kebisingan: Anda tidak dapat mengganggu tidur kru. Perangkat akustik mungkin terlarang kecuali jika diredam secara berlebihan.
Daya tahan: Peralatan harus tahan terhadap getaran peluncuran, perubahan tekanan, dan penanganan konstan di tempat yang sempit.
“Space drum kit” pertama yang sebenarnya mungkin akan menjadi hybrid elektronik ultra-ringan yang dibuat khusus.
Masa Depan: Permainan Drum Robotik dan Virtual
Jika manusia tidak bisa bermain dengan nyaman, robot mungkin akan mengambil alih. Lengan yang dikendalikan dari jarak jauh dapat bereksperimen dengan detak dalam gayaberat mikro sementara para peneliti mempelajari hasilnya.
Atau mungkin semuanya virtual. Astronot dapat memakai headset VR, “duduk” di depan perangkat virtual, dan bermain menggunakan sensor gerak: tidak diperlukan pemain drum yang sebenarnya. Suaranya bisa terdengar di headphone mereka, sementara penonton di Bumi menonton visual 3D dari penampilan mereka.
Bagaimana Anda menjaga alur ketika kaki Anda tidak bisa menyentuh lantai? Mungkin teknologi akan menjawabnya sebelum manusia menjawabnya.
Membungkusnya
Bermain drum dalam kondisi gravitasi nol bukan hanya sebuah konsep keren; itu adalah cermin kreativitas manusia. Ubah lingkungan, dan kita beradaptasi. Kami telah melakukannya di ruang bawah tanah, gurun, klub, dan ruang konser. Sekarang, ruang ada dalam daftar.
Gambarannya nyaris sinematik: seorang penabuh genderang melayang, lengannya bergerak lambat, iramanya bergema di dinding sebuah pesawat saat melayang di atas Bumi. Ini lebih dari sekedar musik. Ini adalah pengingat, tidak peduli seberapa jauh kita melakukan perjalanan, ritme akan mengikuti.
Kebanyakan orang berpikir permainan drum yang hebat adalah tentang pengisian yang mencolok, kecepatan tendangan ganda, atau melakukan poliritme yang membuat non-musisi menggaruk-garuk kepala. Dan tentu saja, hal-hal itu bisa sangat mengesankan. Namun di kalangan musisi, terutama mereka yang sudah cukup lama berada di ruang latihan hingga mencium bau samar campuran kayu, debu, dan kopi basi, ada percakapan lain yang terjadi. Ini tentang merasa. Bukan sekedar bermain pada waktunyaTetapi di dalam waktu. Di situlah microtiming dalam permainan drum hidup.
Microtiming bukanlah sesuatu yang selalu dapat Anda lihat. Ini bukan instruksi yang jelas “mainkan lebih cepat, mainkan lebih lambat”. Ini adalah dorongan dan tarikan halus dalam irama, cara seorang drummer mendarat hanya di belakang atau di depan metronom tanpa kehilangan alurnya. Bagi telinga yang tidak terlatih, sepertinya tidak ada yang berbeda. Namun begitu hilang, keajaiban itu memudar.
Mengapa Pengaturan Waktu Bukan Hanya Tentang Jalur Klik
Tanyakan kepada pemula mana pun cara meningkatkan pengaturan waktu pada drum, dan Anda akan mendengar saran yang sama: “Berlatihlah dengan metronom.” Ini nasihat yang kuat: tidak ada argumen di sana. Namun jika kerja metronom adalah kerangkanya, maka microtiming adalah kulitnya, ekspresi, dan kehidupan dalam musik.
Pernahkah Anda memperhatikan bagaimana dua pemain drum dapat memainkan alur yang sama namun yang satu membuat Anda menghentakkan kaki tanpa berpikir, sementara yang lainnya terasa kaku? Keduanya mungkin “tepat waktu” berdasarkan satu klik, namun jam internal dan kemampuan memanipulasinya membuat perbedaan besar.
Itu sebabnya ketukan J Dilla terasa malas dengan cara yang paling memuaskan. Mengapa Steve Gadd bisa membuat balada bernafas. Mengapa alur John Bonham masih terasa hidup beberapa dekade kemudian. Para pemain ini memahami cara meregangkan atau memampatkan milidetik untuk menciptakan emosi: kegembiraan, ketegangan, kesombongan, tanpa menghentikan irama.
Depan, Belakang, dan Tepat di Atas
Ketika seorang penabuh drum berbicara tentang “menjadi yang terdepan”, yang mereka maksud bukan terburu-buru. Ini adalah gerakan kecil yang disengaja: seolah-olah Anda sedang menarik tali pengikatnya sedikit ke arah masa depan. Ini menciptakan urgensi dan kegembiraan.
Bermain “di belakang irama” adalah kebalikannya. Bukan menyeret, tapi bersandar, memberi ruang, membiarkan musiknya rileks dengan sendirinya. Hal inilah yang membuat beberapa lagu soul dan R&B terasa seperti melebur dalam gerakan lambat namun tetap terkunci di dalamnya.
Dan kemudian ada permainan mati dalam irama: tepat, terpusat. Ini adalah dasar dari sebagian besar ritme pop, EDM, dan marching. Namun inilah yang menarik: bahkan dalam permainan yang berpusat sempurna, microtiming muncul dalam nada-nada hantu, aksen dinamis, dan nuansa ayunan yang memberi cita rasa pada alur tersebut.
Telinga Sebelum Tangan
Microtiming tidak dipelajari dengan tangan saja. Itu dimulai di telinga, atau lebih tepatnya, di usus. Drummer yang menguasai keterampilan timing biasanya menghabiskan waktu bertahun-tahun untuk mendengarkan rekaman, bukan hanya sekedar mendengarkan rekaman pendengaran mereka, tapi merasakannya.
Latihan yang bagus? Ambil satu lagu yang Anda sukai dan dengarkan hanya hi-hat untuk keseluruhan lagu. Abaikan snarenya, tendangannya, vokalnya. Hanya hi-hat. Perhatikan bagaimana pukulannya mungkin lambat atau sedikit mendahului. Itu adalah pengaturan waktu mikro di tempat kerja.
Ini adalah hal yang aneh: semakin sering Anda mendengarkannya, semakin banyak Anda mendengarnya di mana-mana. Lagu-lagu Motown lama, ritme Afro-Kuba, bahkan ketukan trap tertentu di mana si kembar tiga hi-hat hampir seperti membengkokkan waktu.
Mengapa Mesin Masih Tidak Bisa Memalsukannya
Ya, mesin drum dan DAW bisa mengkuantisasi mencatat dengan sempurna. Mereka bahkan dapat menerapkan pengaturan “memanusiakan” untuk mengacak penempatan catatan beberapa milidetik di sana-sini. Namun ada alasan mengapa drumer sejati tetap penting.
Pengaturan waktu mikro yang dilakukan pemain manusia tidaklah acak: melainkan bersifat emosional. Seorang drummer dapat mendorong lebih keras pada bagian refrain, berbaring dalam sebuah bait, dan membuat perubahan bawah sadar berdasarkan apa yang dilakukan penyanyi atau gitaris pada saat itu. Tidak ada template ayunan terprogram yang dapat membaca ruangan seperti itu.
Bisakah Anda Berlatih Microtiming?
Sangat. Dan itu tidak se-misterius kedengarannya. Berikut beberapa caranya:
Perpindahan Metronom – Atur klik untuk hanya memutar setiap dua atau empat bar. Paksa diri Anda untuk menjaga waktu di antara klik. Keheningan akan menunjukkan dengan tepat ke mana Anda melayang.
Mainkan ke Loop – Pilih loop dengan nuansa yang kuat (funk, hip-hop, Afrobeat) dan cocokkan alurnya. Jangan hanya mengunci – bersandar dalam arah yang sama dengan yang terjadi.
Rekam Diri Anda – Tidak ada yang merendahkan (atau mengajar) lebih cepat. Mainkan alur sederhana, dengarkan kembali, dan perhatikan apakah pukulan snare Anda terasa kencang atau malas.
Pergeseran Aksen – Pertahankan ritme yang sama tetapi gerakkan aksen maju atau mundur dalam pikiran Anda. Ini akan membantu Anda merasakan irama dari berbagai sudut.
Sisi Emosional dari Microtiming
Pikirkan terakhir kali Anda mendengar seorang drummer memainkan sesuatu yang membuat Anda merinding. Apakah karena kecepatannya? Mungkin tidak. Kemungkinan besar itu adalah merasacara setiap hit sepertinya mendarat di tempat yang tepat untuk mood lagu tersebut.
Microtiming adalah penceritaan yang emosional. Alur funk yang sedikit mendahului iramanya terasa seperti berjalan mondar-mandir, percaya diri dan cerah. Alur musik blues yang pelan dibalik iramanya terasa seperti sedang mendesah, seperti baru saja melalui sesuatu yang berat.
Ini juga sangat pribadi. Versi “behind the beat” Anda mungkin tidak cocok dengan versi drummer lain. Dan itu hal yang bagus. Microtiming adalah tempat hidup individualitas.
Pertanyaan yang Harus Ditanyakan Setiap Drummer
Apakah saya hanya menjaga waktu, atau saya yang menentukan waktu?
Apakah alur saya terasa berbeda saat saya bersemangat versus lelah?
Bagaimana cara pemain drum favorit saya melakukan microtiming, dan dapatkah saya mendengarnya dengan jelas?
Bisakah permainan saya membuat orang merasa sesuatu bahkan jika mereka tidak dapat menjelaskan alasannya?
Ketika Microtiming Menjadi Salah
Ada garis tipis antara microtiming yang disengaja dan permainan yang ceroboh. Dorong terlalu jauh ke depan, dan Anda terdengar terburu-buru. Terlalu lama tertinggal, dan rasanya lagunya berantakan.
Caranya adalah dengan mengembangkan jam batin yang solid terlebih dahulu. Tanpanya, microtiming berubah menjadi penyimpangan acak. Tapi begitu jam itu kokoh, Anda bisa membengkokkannya seperti aktor terampil yang membengkokkan dialognya: tetap setia pada naskah tetapi memberinya kepribadian.
Mengapa Ini Memisahkan Yang Baik dari Yang Hebat
Inilah kebenarannya: Banyak drummer yang bisa bermain tepat waktu. Lebih sedikit yang bisa membuat waktu terasa menyenangkan. Yang hebat tahu cara membengkokkan milidetik untuk membuat musik bernafas. Mereka tahu kapan harus mendorong band maju dan kapan harus menahannya.
Microtiming adalah salah satu keterampilan yang tidak dibicarakan oleh audiens karena mereka tidak menyadarinya. Tapi mereka merasakannya. Hal ini tidak terlihat, namun itulah hal yang mengubah “kebaikan” menjadi “sangat menarik.”
Menutup Ketukan
Jika Anda tidak pernah terlalu memikirkan microtiming, mulailah mendengarkan secara berbeda. Jangan hanya ikut-ikutan, tanyakan pada diri Anda sendiri Mengapa alur tertentu membuat Anda bergerak. Cobalah bereksperimen. Mainkan alur di depan klik, lalu di belakang, lalu tepat di atas. Lihat perubahan apa yang dirasakannya.
Microtiming bukanlah trik sulap yang Anda pelajari dalam seminggu. Ini adalah percakapan berkelanjutan antara tangan Anda, telinga Anda, dan hati Anda. Dan begitu Anda mulai melakukan percakapan itu, permainan drum Anda tidak akan pernah sama lagi.
Ini dimulai dengan denyut nadi. Bukan yang ada di dada Anda, tapi yang dikejar tangan, kaki, dan pikiran Anda saat Anda duduk di belakang perangkat drum. Selama beberapa dekade, para penabuh genderang mengandalkan metronom untuk menjaga denyut nadi tetap stabil. Klik, klik, klik, pengingat apakah Anda terlalu cepat, terlalu lambat, atau tepat waktu. Namun di ruang latihan dan di panggung hari ini, sesuatu yang baru sedang terjadi. Metronom sederhana bukan lagi satu-satunya alat yang menjaga agar para drumer tetap pada jalurnya. Teknologi yang dapat dipakai untuk para drummer diam-diam membentuk kembali cara musisi belajar, berlatih, dan tampil.
Ini bukan hanya tentang tetap tepat waktu lagi. Ini tentang merasa waktu.
Dari Tick-Tock hingga Smart Shock: Perjalanan Melampaui Metronom
Metronom, dengan segala kegunaannya, adalah guru yang dingin. Ini memberi tahu Anda apa yang perlu Anda dengar, tetapi tidak pernah memberi tahu Anda apa yang ingin Anda rasakan. Pada awalnya, itu adalah sebuah kotak dengan lengan ayun atau perangkat digital dengan bunyi bip yang menusuk. Setiap drummer pernah diberitahu, “Berlatihlah dengan metronom: itulah satu-satunya cara untuk meningkatkan pengaturan waktu Anda.” Dan mereka melakukannya. Terkadang enggan, terkadang obsesif.
Namun era digital memiliki cara untuk mengubah alat yang paling sederhana sekalipun menjadi sesuatu yang lebih. Kapan yang pertama perlengkapan drum yang cerdas Saat adegan itu terjadi, banyak penabuh drum memutar mata mereka. “Mengapa saya memerlukan perangkat yang dapat dikenakan untuk memberi tahu saya cara bermain?” mereka akan bertanya. Kemudian, perlahan-lahan, beberapa orang mencobanya. Dan sesuatu yang menarik terjadi, mereka memulainya mendengarkan secara berbeda. Atau mungkin, lebih tepatnya, mereka memulainya merasa berbeda.
Apa Sebenarnya Teknologi Wearable untuk Para Drummer?
Jika Anda membayangkan jam tangan yang meneriaki Anda saat Anda terburu-buru mengisi, Anda tidak salah, kecuali teknologi wearable lebih halus dari itu. Istilah ini mencakup berbagai perangkat:
Gelang pintar yang bergetar untuk membuat Anda tetap dalam tempo.
Stik drum yang dilengkapi sensor yang melacak pukulan dan dinamika Anda.
Sensor kaki untuk menganalisis kerja pedal.
Rompi haptik itu membiarkanmu merasa irama di seluruh tubuh Anda alih-alih mendengarnya melalui headphone.
Perangkat ini sering kali terhubung secara nirkabel ke aplikasi, memungkinkan pemain drum memvisualisasikan keakuratan waktunya, melacak kemajuan, dan bahkan membandingkan sesi latihan selama berminggu-minggu atau berbulan-bulan. Apa yang membuat mereka menonjol adalah mereka tidak hanya memberi tahu Anda bahwa Anda libur, mereka juga secara fisik dorongan kamu kembali ke alurnya.
Kehebatan Kulit Anda: Cara Kerja Perangkat yang Dapat Dipakai
Keajaiban ada pada haptics: ilmu umpan balik sentuhan. Alih-alih mendengar bunyi klik di telinga Anda, Anda malah merasakan getaran lembut di pergelangan tangan atau lengan Anda. Ini hampir seperti irama yang mengalir melalui pembuluh darah Anda, memandu gerakan Anda tanpa mengganggu suara permainan Anda.
Banyak alat latihan drum sekarang menyertakan sensor gerak untuk mendeteksi sudut tongkat, pantulan, dan kecepatan. Sensor kaki dapat memetakan seberapa merata Anda memukul kick drum, dan aplikasi yang digerakkan oleh AI (ya, sudah ada di sini) dapat mengetahui apakah nada hantu Anda terlalu keras atau apakah pukulan snare Anda lebih cepat dari iramanya. Ini adalah perpaduan yang aneh antara sains dan seni, di mana mesin mempelajari kebiasaan Anda dan mencoba membantu Anda memuluskannya.
Meskipun sebagian penganut paham puritan menolak gagasan tersebut, sebagian lainnya berpendapat bahwa memakai jam tangan untuk mengetahui waktu tidak ada bedanya. Ini hanyalah jam tangan yang lebih cerdas dan lebih fokus pada ritme.
Mengapa Para Drummer Mengadopsi Teknologi Wearable
Bertanyalah dan Anda akan mendengar beberapa alasan umum mengapa teknologi wearable semakin populer:
Waktu yang Lebih Baik Tanpa Beban Mental Daripada terus-menerus mendengarkan bunyi klik metronom, pemain drum dapat fokus pada musik sementara getaran halus memandu mereka.
Pelacakan Postur dan Teknik Beberapa perangkat yang dapat dikenakan menyediakan data tentang gerakan tongkat dan kesejajaran tubuh, sehingga membantu pemain menghindari cedera.
Pelatihan Waktu Nyata Perangkat dapat menandai pedal yang lengket atau tidak rata saat terjadi, sehingga memungkinkan pemain drum segera memperbaiki kesalahannya.
Integrasi yang Mulus dengan Pengaturan Digital Banyak perangkat yang dapat dikenakan disinkronkan dengan DAW, menjadikannya berguna tidak hanya untuk latihan tetapi juga untuk pengaturan musik elektronik live.
Seorang drummer jazz yang saya ajak bicara menjelaskannya secara sederhana: “Rasanya seperti ada seorang guru yang duduk di pergelangan tangan saya, namun lebih tenang dan tidak terlalu menghakimi.”
Perlengkapan Drum Cerdas yang Menghasilkan Kebisingan
Pasar untuk teknologi yang dapat dikenakan untuk para drummer masih muda, namun beberapa nama terus bermunculan dalam perbincangan:
Pulsa Soundbrenner – Metronom bergetar yang dikenakan di pergelangan tangan, lengan, atau pergelangan kaki. Ini bijaksana, dapat disesuaikan, dan sangat kuat untuk pengaturan langsung.
Sensor Drum Bebas – Tempelkan pada stik drum dan kaki, ubah permukaan apa pun menjadi perangkat virtual sambil melacak teknik bermain.
Tanpa stroke – Mirip dengan Freedrum tetapi lebih menekankan pada visualisasi data untuk pembelajaran dan peningkatan.
Pengukur drum dengan Bluetooth – Meskipun tidak sepenuhnya dapat dipakai, perangkat ini cukup kecil untuk diintegrasikan ke dalam latihan dan mengukur kecepatan tongkat secara real-time.
Alat-alat ini tidak menggantikan drum; mereka meningkatkan hubungan antara drummer dan kit.
Sisi Emosional Teknologi dalam Musik
Di sinilah hal itu menjadi rumit. Bermain drum sangat bersifat fisik, hampir mendasar. Anda tidak hanya bermain drum: Anda bergulat dengan mereka, membujuk mereka, dan terkadang menyerah kepada mereka. Memperkenalkan teknologi ke dalam pertukaran mentah itu terasa seperti menambahkan wasit ke dalam pertarungan jalanan. Beberapa pemain drum khawatir bahwa umpan balik yang terus-menerus dapat mematikan keajaiban. Yang lain berpendapat sebaliknya: dengan mengotomatiskan pemeriksaan teknis, Anda membebaskan pikiran untuk fokus pada perasaan dan kreativitas.
Salah satu drummer funk mengatakan kepada saya, “Sebelumnya, saya sangat stres dalam menjaga waktu yang tepat sehingga saya terlalu memikirkan segalanya. Dengan perangkat wearable saya, saya hanya bermain, dan jika saya melayang, saya merasakannya di pergelangan tangan saya dan menyesuaikannya tanpa berpikir.” Pergeseran halus, dari pemikiran ke perasaan, itulah yang membuat perangkat ini begitu menarik.
Tantangan dan Kekhawatiran
Tentu saja, tidak ada teknologi baru yang hadir tanpa rasa skeptis. Beberapa kekhawatiran umum:
Ketergantungan yang Berlebihan – Jika Anda berlatih secara eksklusif dengan panduan yang dapat dikenakan, apakah Anda masih dapat menjaga waktu secara alami tanpa panduan tersebut?
Daya tahan – Keringat, benturan tongkat, dan kekacauan panggung dapat merusak perangkat elektronik yang rumit.
Daya Tahan Baterai – Tidak ada yang mematikan getaran pertunjukan lebih cepat daripada panduan tempo Anda yang mati di tengah lagu.
Hilangnya Naluri – Ketakutan bahwa koreksi terus-menerus dapat menekan ayunan atau kantong alami seorang drummer.
Ironisnya adalah beberapa drummer yang paling dicintai di dunia, mulai dari John Bonham hingga Questlove, membangun reputasi mereka di atas dasar merasayang tidak selalu tepat pada waktunya. Teknologi harus berhati-hati agar tidak menghapus tanda tangan manusia tersebut.
Melihat ke Depan: Masa Depan Teknologi Wearable untuk Para Drummer
Kami hanya menggores permukaannya saja. Perangkat masa depan mungkin:
Sesuaikan masukan mereka berdasarkan gaya musik yang Anda mainkan.
Gunakan AI untuk menyarankan variasi isian atau alur yang sesuai dengan gaya pribadi Anda.
Sinkronkan dengan sistem augmented reality, memungkinkan Anda “bermain” di studio virtual dengan musisi lain di seluruh dunia.
Bahkan ada perbincangan di kalangan teknologi tentang perangkat yang dapat dikenakan yang mendeteksi kelelahan otot dan menyarankan waktu istirahat, sebuah potensi pengubah permainan bagi para drumer tur yang bermain malam demi malam.
Bisakah Sebuah Teknologi Benar-Benar Membuat Anda “Merasakan” Ketukan Lebih Baik?
Ini adalah pertanyaan yang terus muncul kembali. Perangkat yang dapat dikenakan dapat memandu Anda, mengoreksi Anda, bahkan menyemangati Anda dengan caranya yang tenang. Namun pada saat stik memukul drum, yang tetap ada adalah tangan Anda, sentuhan Anda, alur Anda. Teknologi mungkin membuat Anda tepat waktu, tetapi tidak bisa membuat Anda tepat waktu bermain dengan jiwa, itu tetap terserah kamu.
Apakah Kita Meningkatkan Kreativitas atau Menggantikan Naluri?
Sangat menggoda untuk membayangkan masa depan di mana setiap drummer selaras sempurna, tidak pernah terburu-buru, tidak pernah berlarut-larut. Namun apakah itu yang sebenarnya kita inginkan? Bagian dari keindahan musik adalah ketidaksempurnaannya: tarik-ulur kecil antar instrumen yang memberi kehidupan pada sebuah lagu. Teknologi yang dapat dipakai harus bertujuan untuk melayani kehidupan, bukan mensterilkannya.
Akankah Generasi Berikutnya Belajar Drum dengan Cara Berbeda Karena Perangkat yang Dapat Dipakai?
Mungkin. Pembelajaran anak-anak saat ini mungkin tidak pernah menyentuh metronom tradisional. Mereka akan tumbuh dengan pulsa haptik dan sensor gerak sebagai alat latihan normal. Apakah ini akan menghasilkan pemain drum yang lebih baik atau hanya pemain drum yang berbeda, masih harus dilihat. Namun satu hal yang pasti: hubungan antara drummer dan waktu sedang berubah.
Kesimpulan: Nadi Kemajuan
Permainan drum selalu tentang hubungan: antara ketukan, antara musisi, antara pemain dan penonton. Teknologi yang dapat dikenakan tidak menggantikan koneksi tersebut; itu menambahkan cara-cara baru untuk memperkuatnya. Baik Anda seorang profesional tur atau penghobi kamar tidur, ada sesuatu yang anehnya menenangkan saat merasakan irama tidak hanya di kepala Anda, tetapi juga di kulit Anda.
Metronom tidak akan pernah benar-benar hilang. Namun bagi banyak pemain drum, ini telah berkembang menjadi sesuatu yang dapat mereka pakai, rasakan, dan percayai. Dan mungkin itulah keajaiban sebenarnya: teknologi bukan sebagai suara yang dingin dan terpisah, namun sebagai denyut yang hangat dan stabil, menemani Anda dalam karya pembuatan musik yang panjang dan indah.
Chris Hemsworth tidak pernah menghindar dari tantangan. Tapi yang ini berbeda. Tanpa kostum, tanpa latihan dialog: hanya satu perangkat drum, dua stik, dan tenggat waktu yang hanya memberinya waktu berminggu-minggu sebelum tampil di depan puluhan ribu orang. Tujuannya adalah menjaga ritme bersama Ed Sheeran di panggung stadion. Bagi seseorang yang belum pernah bermain drum, ini merupakan lompatan yang berani. Dia tahu persis siapa yang harus dihubungi. Ben Gordon, pendorong di balik suara gemuruh Parkway Drive, juga merupakan teman lama dari masa mereka di Byron Bay. Persahabatan bertahun-tahun berarti Gordon tidak perlu banyak diyakinkan. Idenya aneh tapi menarik: menyaksikan salah satu nama besar Hollywood dimulai dari awal.
Pada awalnya, rencananya sederhana: tetap sederhana, hanya berdua saja, mengerjakan hal-hal mendasar. Namun hidup punya cara untuk menjadikan cerita sampingan sebagai acara utama. Kamera diputar, dan tak lama kemudian, pelajaran menjadi bagian darinya Tanpa Batas: Hidup Lebih Baik SekarangSerial dokumenter baru Hemsworth yang menangkap upayanya untuk mendorong tubuh dan pikiran ke wilayah baru. Di enam negara, ia melakukan berbagai prestasi mulai dari memanjat tebing terjal di Pegunungan Alpen Swiss hingga mengikuti pelatihan gaya militer di Korea Selatan. Tantangan bermain drum membuka episode pertama, yang diberi judul “Brain Power.”
Rekaman awalnya jauh dari kesan glamor. Upaya pertama Hemsworth goyah, waktunya terpaut. Gordon kemudian menertawakan hal itu, mengingat bagaimana muridnya datang dengan “tanpa ritme” dan “tidak tahu apa-apa” tetapi banyak ketabahan. Ini bukanlah transformasi dalam semalam. Prosesnya berulang-ulang, terkadang membuat frustrasi, tetapi Hemsworth terus muncul. Perlahan, ketukannya mulai mendarat di tempat yang seharusnya. Jeda semakin menegang. Cengkeramannya berubah menjadi sesuatu yang lebih alami.
Terobosan ini tidak terjadi dalam satu momen kemenangan. Pergeserannya bertahap: satu sesi kabur ke sesi berikutnya hingga perangkat tersebut tidak lagi terasa asing. Ketika Hemsworth akhirnya berhasil, Ben Gordon tidak perlu banyak bicara. Pandangan sekilas saja sudah cukup.
Pada malam pertunjukan, rasa gugup sudah ada, begitu pula pekerjaannya. Di bawah sorotan lampu stadion, dengan suara Sheeran yang melambung tinggi di atas penonton, Hemsworth tetap menjaga ritmenya. Tongkat-tongkat itu bergerak dalam lengkungan yang stabil, masing-masing serangan terhenti dalam upaya yang tak terlihat selama berminggu-minggu.
Bagi Gordon, ini lebih dari sekedar mengajari temannya bermain. Itu adalah melihat seseorang melangkah ke dalam ketidaknyamanan dan keluar dari sisi lain dengan keterampilan baru, dan kenangan yang tidak akan mereka lupakan. Bagi Hemsworth, pelajarannya sederhana: dalam musik, seperti dalam kehidupan, Anda menemukan irama dengan menjalani keheningan di antara keduanya.
Pada awal September, sekelompok musisi akan berkumpul di New York City untuk menghormati seorang legenda yang pengaruhnya masih bergema. Pada hari ulang tahun Buddy Miles yang ke-78, konser penghormatan di The Cutting Room akan mempertemukan para artis yang jalurnya bersinggungan dengan warisan sang drummer. Di antara para peserta: Vernon Reid, kekuatan gitar di balik Living Colour, dan mantan drummer Billy Joel Liberty DeVitto, keduanya menjadi sorotan untuk merayakan pengaruh abadi Miles.
Konser ini merupakan kelanjutan sekaligus puncak dari penghormatan yang lebih luas. Tahun lalu, drummer-produser-penyanyi James “Biscuit” Rouse meluncurkannya Biskuit dan Sobatsebuah album penghormatan yang didedikasikan untuk karier Miles yang terkenal. Rekaman tersebut memadukan delapan interpretasi ulang lagu-lagu dari seluruh diskografi Miles dengan tiga lagu orisinal yang dibentuk oleh semangatnya. Album ini menampilkan kontribusi dari Reid, bassis Doug Wimbish, dan virtuoso gitar jazz Marcus Machado.
Kini, Rouse berupaya menghadirkan musik tersebut dari rekaman dan ke dalam suasana live. Pertunjukan di bulan September menjanjikan lebih dari sekedar pertunjukan; ini adalah momen berkumpul, mengenang, dan berdialog. Selain membawakan lagu secara langsung, para peserta akan menyaksikan diskusi meja bundar tentang karier Miles dan melihat cuplikan video langka dari artis itu sendiri. Interaksi antara percakapan dan penampilan tersebut bertujuan untuk menangkap keutuhan seorang musisi yang lebih dari sekadar seorang drummer.
Konser ini juga akan menjadi momen pra-rilis Biskuit dan Sobat pada vinil. Rouse bermaksud untuk menyediakan salinan terlebih dahulu bagi mereka yang hadir: kenang-kenangan nyata malam itu dan kehadiran Buddy Miles yang berkelanjutan.
Rouse mendekati proyek ini dengan rasa hormat dan hubungan pribadi. Dia menggambarkan acara tersebut bukan hanya sekedar pertunjukan sampul, namun “perayaan seorang drummer, gitaris, penyanyi, dan produser jenius yang musiknya mengubah permainan.” Rasa kagumnya terlihat jelas: ini adalah musik yang berakar pada penciptaan seumur hidup, dan diperlakukan bukan sebagai nostalgia, namun sebagai warisan hidup.
Bagi Miles, yang menjangkau khalayak luas di band-band seperti Electric Flag dan Band of Gypsys: bersama Hendrix dan lainnya, malam itu mewakili gelombang berkelanjutan dari kekuatan kreatifnya. Dan bagi Reid, Liberty DeVitto, dan rekan-rekan musisi mereka, bergabung dalam penghormatan adalah cara untuk menyalurkan memori dan momentum. Di satu tempat, melalui percakapan dan suara, warisan Buddy Miles akan terdengar lagi, dibawa ke tangan yang baru.
Danny Carey tidak pernah berhenti pada hal-hal yang sudah dikenalnya. Dikenal jutaan orang sebagai arsitek ritmik di balik Tool, ia menghabiskan setahun terakhir melangkah ke medan baru bersama BEAT: sebuah proyek yang mengacu pada silsilah musik yang mendalam dan pendekatan penemuan kembali yang tak kenal takut. Bersama Adrian Belew, Tony Levin, dan Steve Vai, Danny Carey telah menata ulang trilogi terkenal King Crimson tahun 1980-an: Disiplin, Ketukan, dan Tiga Pasangan Sempurna, dengan intensitas segar yang menghormati aslinya sambil menghirup sesuatu yang tidak salah lagi hadir ke dalamnya.
Perjalanan ini lebih dari sekedar latihan di studio atau panggung. Sejak BEAT pertama kali membawakan aransemen ulang ini kepada penonton, tanggapannya sangat antusias, bukan hanya karena nostalgia, namun karena pertunjukan tersebut membawa semangat para musisi yang tahu persis bagaimana menghuni dan memperluas materi sumber mereka. Bagi Carey, puncak dari energi tersebut kini terwujud dalam Beat Live: album konser dan film yang merekam proyek tersebut dengan kecepatan penuh. Direncanakan untuk dirilis pada tanggal 26 September, rekaman ini diambil dari setlist yang menyatukan lagu-lagu seperti “Heartbeat,” “Red,” dan “Sleepless,” menyaring suasana pertunjukan BEAT ke dalam bentuk yang dapat ditinjau kembali lama setelah encore terakhir memudar.
Carey berbicara tentang perilisan tersebut dengan rasa bangga yang bersahaja dari seseorang yang telah hidup di dalam musik malam demi malam. “Rilisan Beat Live adalah sesuatu yang telah kita tunggu-tunggu,” katanya. “Respon penonton sungguh luar biasa, dan saya bangga dengan hasilnya.” Ketulusannya tidak diragukan lagi: ini adalah proyek yang telah berkembang secara organik, lahir dari rasa saling menghormati di antara para pemain yang tidak punya apa-apa lagi untuk dibuktikan dan segalanya untuk dijelajahi.
Momentum tahun ini akan mencapai puncaknya pada tanggal 1 September, ketika BEAT tampil di Budokan Tokyo untuk konser perilisan rekaman. Tempat tersebut memiliki pengaruh tersendiri dalam sejarah musik live, mulai dari rekaman legendaris hingga pertunjukan yang telah menjadi bagian dari mitologi rock. Bagi Carey, ini bukan sekedar tanggal lain di kalender. “Tampil di Budokan adalah mimpi yang menjadi kenyataan,” kenangnya. “Ini adalah tempat dengan begitu banyak sejarah, dan saya tidak sabar untuk merasakan keajaiban itu lagi bersama grup musisi yang luar biasa ini.”
Jika tahun lalu menunjukkan sesuatu, BEAT tidak tertarik untuk sekadar meninjau kembali masa lalu. Perpaduan antara alur gitar Belew yang inventif, permainan bass elastis Levin, keahlian Vai, dan ketepatan perkusi Carey menciptakan sesuatu yang terasa hidup pada saat itu, tidak terikat pada era mana pun.
Hal Leonard telah memperluas jangkauannya di dunia perkusi, mengambil distribusi di AS untuk berbagai instrumen Perkusi Latin. Kesepakatan tersebut, yang sekarang aktif, memberikan dealer musik di seluruh negeri akses langsung ke katalog LP: mulai dari congas dan bongo yang hangat hingga nada timbales yang tajam, aksen halus dari aksesori genggam, dan serangkaian perlengkapan hybrid modern.
Logo Hal Leonard dari Situs Web
Selama beberapa dekade, Hal Leonard telah menjadi nama yang dikenal tidak hanya dalam bidang penerbitan tetapi juga dalam bidang distribusi bagi para drummer dan pemain perkusi. Rosternya saat ini sudah mengusung Gibraltar Hardware, Remo Percussion, Paiste Cymbals, dan SJC Drums. Menambahkan LP ke jajaran tersebut bukan sekadar kasus bergabungnya merek lain; ini adalah hadirnya sebuah nama yang telah mendefinisikan suatu kategori selama lebih dari setengah abad.
“Perkusi Latin adalah landasan budaya ritme di seluruh dunia, dan kami bangga menambahkan instrumen legendaris mereka ke jajaran distribusi kami,” kata Donny Gruendler, kepala kemitraan strategis, MI di Hal Leonard. Dia menggambarkan perpaduan “keahlian dan inovasi sonik” LP sebagai suatu perpaduan alami dengan pembuat perkusi kelas atas lainnya yang diwakili oleh perusahaan tersebut.
Sejarah LP dimulai pada tahun 1964, ketika LP mulai memproduksi instrumen yang dengan cepat menjadi standar dalam bahasa Latin dan perkusi dunia. Selama bertahun-tahun, suaranya telah merambah ke jazz, pop, rock, funk, dan banyak ruang lainnya, beradaptasi tanpa kehilangan identitasnya. Conga dan bongo-nya telah terdengar di rekaman-rekaman terkenal dan di festival jalanan, di lingkungan klub yang akrab, dan dalam tur stadion. Selain persembahan tradisionalnya, LP tidak pernah ragu untuk bereksperimen, memperkenalkan material segar, desain inventif, dan perlengkapan yang menggabungkan tradisi akustik dengan kemungkinan elektronik.
Kesepakatan baru dengan Hal Leonard ini memiliki arti lebih dari sekadar nama dalam daftar. Hal ini dapat membuat instrumen LP lebih mudah ditemukan bagi pemain perkusi, pendidik, dan pemain pemula. Dealer sekarang dapat memperoleh lini produk lengkap dari merek tersebut melalui saluran distribusi yang sudah dikenal, mempersingkat waktu tunggu dan memperluas ketersediaan di wilayah di mana LP terkadang lebih sulit dilacak.
Waktunya juga terasa tepat. Pemain perkusi saat ini mendapatkan lebih banyak pengaruh daripada sebelumnya: menggabungkan timbale dengan perangkat drum, memasukkan perkusi tangan ke dalam pengaturan elektronik, dan berpindah antar genre dengan lancar dalam satu set. Katalog LP mencerminkan kenyataan tersebut, berdasarkan tradisi selama puluhan tahun, namun cukup gesit untuk memenuhi tuntutan dunia musik saat ini. Ini adalah jenis rangkaian musik yang dapat digunakan dalam parade jalanan, klub jazz, atau panggung festival yang dipenuhi dengan peralatan elektronik dan lampu.
Dengan aliansi baru ini, Hal Leonard dan LP menyatukan dua nama lama yang memiliki pemahaman yang sama tentang tempat ritme di jantung musik. Kemitraan ini bukan hanya sekedar memindahkan produk; ini tentang menempatkan instrumen ke tangan lebih banyak pemain, di lebih banyak pelosok negara, sehingga suara mereka dapat terdengar di ruang latihan, ruang konser, dan panggung terbuka.
Drummer Dream Theater Mike Portnoy telah berbicara panjang lebar tentang kematian Ozzy Osbourne, menggambarkannya sebagai peristiwa budaya dengan skala yang sama dengan hilangnya John Lennon. Dalam sebuah wawancara di SiriusXM's Trunk Nation With Eddie Trunk pada tanggal 6 Agustus, Portnoy mengatakan bahwa berita tersebut memiliki dampak emosional yang mendalam pada dirinya, tidak seperti apa pun yang pernah dia rasakan sebelumnya dalam musik.
Dia mengakui bahwa meninggalnya raksasa rock dan metal lainnya, termasuk Ronnie James Dio, Lemmy Kilmister dari Motorhead, dan legenda gitar Eddie Van Halen, adalah momen besar bagi para penggemar. Namun menurutnya, kematian Osbourne berbeda. Pengaruh Ozzy, kata dia, jauh melampaui dunia musik heavy. Ia bukan sekedar penyanyi namun sosok yang dikenal jauh di luar genre, seseorang yang namanya tidak asing lagi bagi orang-orang yang mungkin belum pernah mendengarkan album-albumnya. Pengakuan seperti itu, menurut Portnoy, adalah alasan mengapa kerugiannya terasa begitu signifikan.
Ozzy Osbourne meninggal pada 22 Juli, hanya 17 hari setelah pertunjukan terakhirnya di Villa Park di Birmingham. Konser tersebut merupakan perayaan sekaligus perpisahan, menutup karir yang telah berlangsung lebih dari lima dekade. Portnoy mencatat betapa jarangnya seorang musisi mengakhiri karir pertunjukannya secara publik dan definitif.
Beberapa hari setelah kematiannya, minat terhadap karya Osbourne melonjak. Data Spotify menunjukkan pendengar bulanannya meningkat tajam dari 12,4 juta menjadi 18,7 juta. Black Sabbath, grup yang pertama kali membawanya ke panggung global: juga mencatat peningkatan tajam dalam jumlah pendengar, dari sekitar 19,8 juta menjadi sekitar 24,6 juta pada periode yang sama. Bagi Portnoy, angka-angka tersebut mencerminkan tidak hanya jumlah pengikut Ozzy tetapi juga daya tarik musiknya yang bertahan lama, yang terus menjangkau pendengar baru beberapa dekade setelah direkam.
Mike Portnoy berkata bahwa caranya sendiri mengatasi kehilangan itu adalah dengan melihat kembali katalog Osbourne. Dia memulai dengan album Black Sabbath, kemudian beralih ke rekaman solo. Mendengarkannya lagi, katanya, menimbulkan nostalgia sekaligus memberi energi. “Merupakan perjalanan musik yang luar biasa untuk meninjau kembali semua hal ini,” katanya. “Sungguh menakjubkan. Karier yang luar biasa. Tapi, ya, sungguh suatu kerugian.”
Dia juga menunjukkan betapa pentingnya Osbourne memiliki kesempatan untuk menampilkan penampilan terakhirnya, yang disiarkan ke lebih dari lima juta penonton di seluruh dunia. Katanya, ini adalah kesempatan langka bagi artis sebesar itu untuk meninggalkan panggung dengan caranya sendiri, dikelilingi oleh penggemar dan sesama musisi.
Sekelompok peneliti dari Swiss dan Italia telah mengerjakan sesuatu yang terdengar seperti alur cerita film fiksi ilmiah: robot humanoid yang dapat menjaga ritme seperti manusia penabuh genderang. Proyek ini merupakan kerjasama antara SUPSI, IDSIA, dan Politecnico di Milano yang dipimpin oleh Asad Ali Shahid dan Loris Roveda.
Ini dimulai dengan sebuah pertanyaan yang muncul begitu saja dalam percakapan: bisakah robot mengikuti irama seperti yang dilakukan manusia, tanpa bergantung pada putaran yang kaku dan telah ditentukan sebelumnya? Dari percikan tersebut, tim mulai mengembangkan pendekatan baru yang dibangun berdasarkan apa yang mereka sebut “rantai kontak ritmik.”
Sistem ini lebih dari sekadar metronom sederhana. Ini memberi tahu robot tidak hanya kapan harus memukul tetapi juga drum mana yang harus dipukul dan bagaimana berpindah antar pukulan secara efisien.
Untuk pembuatannya, mereka memilih robot humanoid Unitree G1. Sebelum merilisnya pada kit asli, mereka menjalankannya melalui simulasi ekstensif, mengujinya pada lebih dari 30 lagu. Daftar putarnya mencakup banyak hal: musik jazz seperti Take Five karya Dave Brubeck, musik rock favorit seperti In the End karya Linkin Park, dan lagu yang disukai banyak orang seperti Livin' on a Prayer karya Bon Jovi.
Dalam pengujian tersebut, robot secara konsisten mempertahankan akurasi waktu di atas 90 persen. Ia juga melakukan beberapa gerakan yang secara mengejutkan terasa manusiawi, seperti menukar stik drum di tengah lagu, menyilangkan tangan untuk meraih drum tertentu, dan menyesuaikan gerakannya untuk menghemat waktu dan menjaga keseimbangan.
Sejauh ini, semua ini terjadi dalam lingkungan virtual. Tempat pembuktian sebenarnya adalah panggung langsung, dengan robot duduk di depan drum bersama pemain manusia. Dalam pengaturan tersebut, irama dapat dipercepat, diperlambat, atau diubah tanpa peringatan. Volume yang membengkak dan penurunan yang tiba-tiba memerlukan penyesuaian yang cepat, dan tidak akan ada jalur klik yang menjaga semuanya tetap sejalan.
Bagi para peneliti, ini lebih dari sekedar aksi menabuh drum yang mencolok.
Mereka percaya perpaduan antara pengaturan waktu yang tepat dan gerakan yang dapat disesuaikan dapat berguna dalam berbagai bidang, mulai dari menyederhanakan pekerjaan pabrik hingga membantu terapi fisik.
Saat ini, fokus mereka adalah menyempurnakan sistem sebelum melangkah ke tahap tertentu. Ketika momen itu tiba, yang penting bukan hanya mengenai irama yang tepat. Ini adalah tentang membuktikan bahwa robot humanoid dapat mengimbangi, dan bahkan bersinar, dalam lingkungan pertunjukan langsung yang tidak dapat diprediksi dan berubah dengan cepat.
