Drum Dan Alat Music

Drumming News :

Brad Schlueter discussion with Carmine Appice.

Carmine Appice is a true drumming legend and one of the pioneers of modern drum education. Over the course of his career, he has influenced generations of drummers through his books, clinics, and live performances with some of the biggest names in rock, including Vanilla Fudge, Cactus, Jeff Beck, Ozzy Osbourne, and Rod Stewart.

During his seven years on the drum throne with Stewart, Carmine co-wrote the hit songs Da Ya Think I’m Sexy? and Young Turks, helping shape the sound of late-’70s and early-’80s rock. Behind the kit, he was among the first drummers to popularize massive multi-tom, double-bass setups—and he played a key role in pushing drum hardware to become stronger, more stable, and better suited to the demands of rock music.

An iconic hard-rock drummer with unmistakable power and showmanship, Carmine Appice became a legend after his very first appearance on The Ed Sullivan Show with Vanilla Fudge nearly 60 years ago. That same band also played a key role in rock history by bringing Led Zeppelin to the United States for their first American tour, beginning his friendship with John Bonham, and opening the door for one of the most influential bands of all time.

Carmine was also the first drummer to take rock drumming clinics on the road nationally, he started what would become Guitar Center’s “Drum Off”, and he authored one of the most influential drum books of all time, Realistic Rock. That landmark book has just been updated with additional material and reissued by Hudson Music as Classic Realistic Rock, introducing a new generation of drummers to his seminal ideas.

Decades later, drummers are still playing Carmine’s vocabulary, often without realizing where it came from. Ever played RLFF, RLRLFF, or RLRLFFFF? You can thank Carmine for that.

Interview:

First things first, can we finally settle the great mystery of how to pronounce your last name? I’ve heard app-uh-see, a-piece, and a few other creative variations. What’s the correct pronunciation, and how did all the confusion start?

Well, it’s, it’s really funny, because up until 1976, when I joined Rod (Stewart), Rod said, “Well, there are so many different ways to say your name. Is it pronounced app-uh-see, a-piece, a-pea-chay, all these different things? What should we call you? We’re going to be playing in front of 20,000 people a night. When you do your solo, I wanna say Carmine… what?” Well, most people call me app-uh-see, but a-piece is probably the best way to go. But then Ludwig ran an ad in all the magazines: “Everyone wants a piece of a-piece (Appice).” Everything was going great until 1980, when my brother Vinnie came out with Sabbath as Vinnie app-uh-see, and it screws everything up! That’s why we did the Drum Wars videos, where we were battling for the name. So I’m a-piece, and he’s the opposite.

From the beginning of your career with Vanilla Fudge, you stood out as a powerhouse drummer. Your style seemed direct and focused even then, when a lot of other drummers were more improvisational, if you will. Did you spend a lot of time writing parts for the songs?

Yeah, well, actually, I didn’t write parts. I actually just played what I felt. I still have that problem today. Whenever I do a video, I have to write out what my fills were, you know? Because I didn’t know what I played. I just play whatever I play, you know? And that’s my problem. I never play the same!

Showmanship has always been a big part of your playing. Even on that first Ed Sullivan Show appearance with Vanilla Fudge, while playing “You Keep Me Hangin’ On,” you were very visual.

Before I joined Vanilla Fudge, they were called The Pigeons. I used to play like in an old R&B band. I didn’t even move my head, I didn’t twirl, I didn’t do that stuff. I was influenced by Dino Danelli and Gene Krupa on and I was trying be like Dino Danelli from the Rascals, you know, but on steroids with the twirling. 

You know, if you grab a cymbal with your fingers, it still rings, you know that? Okay, so when you hit a cymbal and you grab it with your full arm, it goes, stop!

You did that one on Ed Sullivan. Is that why you came up with your unique stick grip, holding the stick between your first and second finger to accommodate your stick twirling? 

You know, I noticed that when I do a twirl, I went forward, and that after I did the twirl, I would move the hand back to the proper position. Then I’m doing a twirl and I hit the cymbal. I said, “Oh, that’s cool.” So I started twirling and hitting cymbals, and I noticed it was easy to play like that. It just naturally happened. I never really planned it, you know? So there’s never any time where I just sit down and go, “I’m gonna create a new grip.” I feel more comfortable playing like that even now. I’ve been doing this all my life, you know?

A lot of drummers struggle with nerves and self-criticism on stage and in the studio. Did you ever struggle with that?

Not really…I tell you when I got anxiety was when we go down the elevator to do the Sullivan show for the first time. In those times we had elevator operators, and I said, “Hey, man, how many people watch this show?” He said, “Oh, about 50 million!” 

How’d you cope with that. 

Once I started playing, it was gone. 

It was 50 million live, and now it’s probably, I don’t know, 100 million due to all the different videos and YouTube, that are out there. They keep playing it now and then on MeTV. I keep getting a royalty for like 75 bucks from it!

How much of your technique and your ideas came from structured practice versus playing on stage with bands? 

When I was a kid, I used to listen to the Gene Krupa and Buddy Rich albums. I learned every note off those albums. I used to listen to Max Roach. I listened to Joe Morello. Those are my four idols, you know? So everything I did came from that. All I did was add the rock and roll power, because back then there were no amplifiers for drums. Everybody had big amps, so I got bigger drums so they’d be louder. But you know when you play big drums, you got to hit them harder. When I got the deal with Ludwig. They said, what would you want? I said, well bigger drums, bigger sound, louder. So, I ordered these 26” bass drums. I ordered a marching tenor drum for my middle tom, 16” and 18” floor toms then I had a 22” bass drum turned on its side, with the metal rim on it, was my big floor tom.

You originated the double bass drum shuffle groove on Cactus’ song “Parchman Farm” back in 1970, before Billy Cobham’s “Quadrant 4” and Simon Phillips’ “Space Boogie,” or Alex Van Halen’s “Hot for Teacher” versions of that groove. How’d you come up with that?

Well, I got the double bass in 1968, and I got the two giant (26”) bass drums and the oversized kit, which, when John Bonham opened up for us, he loved it. So I got him the same kit as mine, and in the new Classic Realistic Rock drum book, there’s a picture of me and John playing the same drum kit. I got John his endorsement with Ludwig, too.

Anyway, I was always playing that kind of stuff. I always play the hi-hat (with foot) on either the quarter notes, eighth notes, or the “ands,” you know? So I played the double bass shuffle like that. My left foot was on the beats, and my right foot on the upbeats.

So I did a song called “Need Love” with Vanilla Fudge in ’69 that had that kind of bass drum part, not that fast, but had that kind of bass drum part. Ten years later, when we did “Parchman Farm,” they wanted to do it faster than that. I think it’s 247 beats a minute. And then I said, “Wow. If you’re going to do it that fast, I’m going to play with the double bass.” So yeah, “Parchman Farm” was the first one in 1970.

Do you still practice? 

I love to play. I have a studio in my house. I have to do that after we talk. 

What I got now…my friend got me for Christmas. It’s a deck of rudiment cards. Alfred Music put it out, and you pick any card and it has a rudiment. So I practice them on the pad.

Do you play the same now as you did then?

I used to beat the hell out of them. If you look at the Ed Sullivan show of the Fudge playing “Shotgun”, I’m beating the living shit out of those drums. You know, but with the power and the speed I have. I was 24 years old. 

Now I realize, you don’t have to do it like that with all the arms. I’ve gotten two rotator cup surgeries. You can do it like karate chops, you know, with just your wrist snapping. 

So many drummers have been inspired by your drumming and your book Realistic Rock. Gregg Bissonette, Dave Weckl, Kenny Aronoff, Nick Menza, Chad Smith, Marco Minnemann, Ian Paice, and others all admire your work. Many of the patterns you played and wrote about in the book are still played today.

I’m noticing a lot of new drummers doing things, and I don’t know, indirectly, some of it might have come off what I did. A lot of the fills that are going on today, you know, when you’ve got two on the hands and two on the feet, four on the hands, two on the feet, it’s right out of Realistic Rock. I’ve been doing this for clinics since 1971. I used to call it “falling rocks.” And I’m watching all these new drummers do this. I saw a young kid, five years old, doing that. I said, “My God, where are they learning this stuff from?”

From you.

They do it with a different drum sound. The drum sound is not like mine. Mine is a big, powerful drum sound. When I do it, it sounds really powerful. When they do it, it’s very pointy, you know? There’s a lot more point to it. These kinds of fills that I introduced to rock a lot of years ago, some I got from Max Roach, actually. Basically, they’re doing a lot of my stuff. They probably don’t even know where it comes from.

Yeah, probably not.

It’s like when I played with Tommy Lee (Motley Crue) and he opened up for Ozzy (Osbourne). When I was with Ozzy, I saw him spin the stick and grab the cymbal with his arm. I said, “Wow, dude, where’d you get that?” He says, “I got it from John Bonham.” I said, “John Bonham?” “Yeah,” he said. And I told him the story. I said, “You know, John Bonham opened up for us with the Fudge, and he used to imitate me, and we’d laugh at each other, like, ‘Ha, ha, hey, watch this.’” And who knew he was going to become a monster?

So I said, “Dude, when you finish the tour, I’m going to take you to my house. I’ll show you a couple of videos.” I showed him the Ed Sullivan video with Vanilla Fudge. He goes, “Dude, when was this?” I said, “This is about two years before Led Zeppelin even came out.” He says, “Oh, dude!” Then I played another one where we did “Shotgun” on The Ed Sullivan Show. At the end of “Shotgun,” it’s pretty much the ending of “Rock and Roll.” It’s doing a lot of those different combinations and all that, and then it slows down. Then he says, “When did you do that?” I said, “That’s about four or five years before ‘Rock and Roll.’” So he was blown away, you know?

And the intro of “Rock and Roll” is borrowed from “Keep A-Knockin’” by Little Richard.

Without a doubt! As soon as he played that, I knew it, you know?

How did writing Realistic Rock come about?

I wrote it when I was with Cactus. We used to wreck hotel rooms, cars, and all that. So anyway, I said, “I’m going to write a book.” So I wrote a book. It took me 30 days of not wrecking hotels after the gig. I’d sit down and I’d write the book, and I wrote the book. I gave it to my attorney at the time, and he said, “The good thing is, you got a $500 advance, and you own the copyright.” And you know what? I didn’t even know what that meant.

That was a good attorney!

I mean, the book was selling, you know, 12,000 copies a year. It was crazy. And before you know it, I was making big money and selling a lot of books, and then that opened up the whole business of doing clinics.

And I did the first rock clinic ever that any rock musician ever did, Sam Ash, Long Island, with 800 people there. I did everything on clinic. I brought PA systems out. I did the tours. I gave UNICEF $50,000 off a bunch of clinics I did. I really explored the clinic thing with Ludwig.

Between refining drums and beefing up heavier hardware so it wouldn’t break…I did all that with Ludwig back in the day. We started a lot of fads, the power toms, the big drums, oversized bass drums and tom-toms, the thing you put on the left bass drum to hold the hi-hat, and the Speed King pedal. Yeah, we did so much. It was the 60s – ’70s, modernizing equipment. I had the whole clinic market to myself. There was no one else doing rock clinics.

John Bonham came to my clinic at Sam Ash, and he was drinking a bottle of beer. They still had the bottle there, for 40 years in the store. Well, they don’t anymore, since Sam Ash closed, but they had the bottle for 40 years. 

Wow…I wonder where it is now? 

Yeah. How many other drummers can say John Bonham went to their clinic?

Probably none! So how did the re-release of Realistic Rock come about?

Well, basically, the book had been doing great most of the time for Warner Brothers. Then we went to Alfred, and I got the biggest drum book deal ever. Every year they’d give me an advance. We did videos, and it was going great. But for the last couple of years, Alfred didn’t do that great, so then they got sold. I didn’t know where to go, so Modern Drummer offered me a deal for three years, and I went with them. They reprinted the book, and I didn’t know until lately that they reprinted it with a bunch of errors in it.

After that, I reached out to Rob Wallis at Hudson Music. I always loved Rob and loved what he’s done with Hudson. When he was doing DCI videos, I started a company called Power Rock videos. I did a video of myself, my brother (Vinnie Appice), Drum Wars (between Carmine and his brother), Tony Franklin’s video (fretless bassist), Rick Gratton. I had a full company going, but I was always in competition with Hudson. They did the first Steve Gadd video, I did my drum clinic video, and we were both selling thousands.

I always loved the way Rob advertised and took care of everything. I never worked with him, but I knew him for 40 years. So I took it to Rob. Then Joe Bergamini called and said, “You know, there’s a lot of errors in the book.” I said, “No, I didn’t know that,” because I don’t teach the book anymore. I don’t teach privately, so I never really go through the book. So they said, “Let’s reprint it all, fix everything, and update it.”

I had done another book with Hudson called Realistic Replacements, which is linear combinations between hand and foot. Like, you do a triplet, and we replace a hand with a foot, and did a whole book on that stuff. I said, “Why don’t we put some of that in the new version of Realistic Rock? If you’re going to update it, let’s have something new.”

So we did that. We went through all the errors, fixed everything, straightened out the downloads (eBook and audio), did new photos, then and now, pictures of me then and me now, pictures of me and John Bonham with the same drum sets. We updated the photography. He said, “Let’s just call it the Classic Realistic Rock,” because it is classic. We got all the guys to do endorsements on the back. Basically, we did the whole book. It’s got a full download, which the book never really had before. It’s a lot of fun. I sold over 400,000 copies with that book. It’s just like a gold record.

That’s incredible!

Yeah, somebody should give me a gold book!

www.carmineappice.net

Read Brad’s review of the re-release of Realistic Rock HERE

Brad Schlueter is a Chicago-based drummer, teacher and author. He has performed with a wide range of groups and recorded drum tracks from his home studio for clients worldwide. Brad has taught at The Drum Pad, The Music Room in Palatine, and his Batavia studio and also offers online lessons. As a writer, he has contributed to Drum! Magazine, Modern Drummer and Reverb.com, and he co-authored the award-nominated book by Todd Sucherman, “Methods and Mechanics”.

www.bradschlueter.com

Berita Drum:

Oleh: Paul Rogne

Sebagai penggemar lama Cabai Merah PedasSaya masuk ke Netflix Bangkitnya Cabai Merah: Saudara Kita, Hillel dengan antisipasi nyata. Film dokumenter ini menyajikan banyak hal—melukiskan potret mendalam tentang asal usul band dan kehidupan serta pengaruh gitaris pendiri Hillel Slovak. Ini menelusuri kekacauan awal, chemistry, dan patah hati mereka, bahkan hingga kedatangan John Frusciante dan the Susu ibu era.

Namun ada satu hal yang mencolok—sesuatu yang sulit untuk diabaikan jika Anda pernah benar-benar mendengarkan band ini: drum.

Untuk sebuah grup yang sangat ditentukan oleh ritme, alur, dan gerakan, film dokumenter ini tidak membahas tentang para pemain yang membuat hal tersebut menjadi mungkin. Chad Smith—drummer dan tulang punggung ritme terlama di band ini sejak 1988—tidak disebutkan secara substansi sama sekali. Begitu pula dengan para drummer yang datang sebelum dia, kecuali drummer pendiri Jack Irons, yang masing-masing membantu membentuk perkembangan suara Chili Peppers selama tahun-tahun paling formatif mereka.

Ini adalah kekeliruan yang aneh. Karena jika ada satu hal yang konstan dalam musik Chili Peppers, itu bukan hanya funk atau punk atau melodi—tapi perasaan. Dan perasaan dimulai dengan drum.

Seperti yang Dave Lombardo pernah tunjukkan pada Modern Drummer Festival tahun 2000, tanpa irama drummer, riff hanyalah sebuah riff—tidak akan pernah menjadi sebuah lagu. Sentimen itu terutama berlaku di sini. Katalog Chili Peppers berkembang pesat dalam interaksi ritmis, dalam tarikan dan dorong antar instrumen. Lagu seperti “Berikan,” “Tidak Bisa Berhenti,” atau bahkan alur elastisnya “Pesawat terbang” hanya berhasil karena ada denyut nadi yang stabil dan percaya diri yang menopang kekacauan tersebut.

Dan denyut nadi itu tidak muncul begitu saja.

Jack Ironsdrummer pendiri band, meletakkan dasar. Gayanya yang ekspresif dan mengalir bebas membantu mendefinisikan identitas awal Chili Peppers—longgar, funky, dan tidak dapat diprediksi. Dia tidak hanya menjaga waktu; dia sedang membentuk arah. Belakangan, karyanya dengan Pearl Jam hanya memperkuat reputasinya sebagai pemain yang sangat bermusik dan intuitif.

Saat Irons menjauh, Tebing Martinez membawa momentum awal itu ke studio, muncul di Cabai Merah Pedas (1984) dan Gaya Aneh (1985). Permainannya menghadirkan presisi yang lebih tajam dan minimal—tidak terlalu panik, lebih disengaja—membantu band menerjemahkan energi live mereka ke dalam bentuk rekaman. Dia kemudian menjadi komposer film terkenal, namun perannya dalam identitas sonik awal band tidak dapat disangkal.

Lalu datang Bahaya DHterkenal karena karyanya dengan Dead Kennedys. Meskipun waktunya bersama Chili Peppers singkat, pengaruhnya masih melekat dalam penulisan Susu ibudi mana dia berkontribusi pada lagu-lagu sejenisnya “Rasakan Sakitnya” Dan “Semak Sedingin Batu.” Energinya yang agresif dan bernuansa punk mengisyaratkan sebuah band di ambang transformasi.

Transformasi itu sepenuhnya terjadi pada Chad Smith.

Sejak bergabung pada tahun 1988, Smith menjadi identik dengan suara Chili Peppers. Dari Susu ibu (1989) sampai Magik Seks Gula Darah, California, Omong-omongdan sampai ke sana Cinta Tanpa Batas Dan Kembalinya Kantin Impianpermainan drumnya telah menjadi landasan setiap era evolusi band. Gayanya—kekuatan, alur, dan kemahiran yang setara—bergaul sempurna dengan bass Flea, membentuk salah satu bagian ritme rock yang paling terkenal.

Lebih dari sekedar pencatat waktu, Smith adalah kekuatan penstabil band. Kemampuannya yang merogoh kocek dalam-dalam saat gitar, bass, dan vokal bergerak bebas inilah yang membuat Chili Peppers bersuara seperti dirinya. Tanpa landasan ritme tersebut, kelonggaran khas mereka akan berubah menjadi kekacauan.

Di luar Chili Peppers, Smith ikut mendirikan supergrup hard rock Chickenfoot bersama Sammy Hagar, Joe Satriani, dan Michael Anthony, serta ansambel yang semuanya instrumental Bombastic Meatbats milik Chad Smith, yang memadukan funk dan fusion tahun 1970-an. Dia juga berkolaborasi dengan berbagai artis, dari Johnny Cash dan Ozzy Osbourne hingga Post Malone dan Iggy Pop, menunjukkan keserbagunaannya dalam musik rock, funk, dan pop.

Chad berkomitmen untuk membimbing musisi muda dan mendukung pendidikan musik melalui inisiatif seperti Chad Smith Foundation. Pengaruh, profesionalisme, dan semangat kolaboratifnya menjadikannya salah satu drummer paling dikagumi di generasinya.

Itulah mengapa diamnya film dokumenter tentang warisan ini terasa sangat aneh.

Red Hot Chili Peppers telah menghabiskan lebih dari empat dekade mendefinisikan ulang seperti apa suara band rock. Hampir selama itu—38 tahun dan terus bertambah—Chad Smith berada di balik perangkat ini. Dan sebelum dia, sederetan pemain drum membantu membangun fondasi tempat dia berdiri.

Menceritakan kisah band ini tanpa menceritakan kisah para penabuh drumnya berarti mengabaikan detak jantungnya.

www.chadsmithfoundation.org

James Gadson, seorang drummer sesi produktif yang ritmenya mendukung lagu-lagu hits Diana Ross, Jackson 5, Bill Withers, dan banyak lainnya, meninggal dunia pada usia 86 tahun. Menurut istrinya, Barbara, Gadson baru saja menjalani operasi dan terjatuh. “Dia adalah suami, ayah, kakek, kakek buyut yang hebat, dan seorang drummer yang hebat,” katanya Batu Bergulir.

Kehidupan Awal dan Akar Musik:
Lahir pada 17 Juni 1939, di Kansas City, Missouri, Gadson dibesarkan dalam keluarga musik. Ayahnya, juga seorang drummer, mendorong dia dan saudaranya Thomas untuk bermain di korps drum sekolah mereka. Setelah bertugas di Angkatan Udara, Gadson mulai tampil di band saudaranya pada keyboard dan vokal sebelum kembali ke drum. Di awal karirnya, dia mendukung artis tur seperti Otis Redding dan Sam Cooke, mendapatkan reputasi sebagai drummer yang serba bisa dan penuh perasaan.

Terobosan di Los Angeles:
Pindah ke Los Angeles pada pertengahan 1960-an, Gadson bergabung dengan Watts 103rd Street Rhythm Band, berkontribusi pada lagu-lagu hits seperti “Do Your Thing” dan “Express Yourself.” Di sanalah dia menarik perhatian produser Motown Hal Davis, yang mengarah ke sesi kerja di “Dancing Machine” Jackson 5 dan, kemudian, hits Motown yang tak terhitung jumlahnya.

Pekerjaan Sesi Ikonik:
Gadson menjadi drummer sesi untuk beberapa nama besar dalam musik. Karyanya dapat didengar di film klasik seperti “Lean on Me” dan “Use Me” karya Bill Withers, “I Will Survive” karya Gloria Gaynor, “Don’t Leave Me This Way” karya Thelma Houston, “Love Hangover” karya Diana Ross, dan “I Want You” karya Marvin Gaye. Dia juga bermain di “Got to Be Real” karya Cheryl Lynn, “Cruisin'” karya Smokey Robinson, dan “Heaven Must Be Missing an Angel” karya Tavares.

Meskipun ada beberapa rilisan solo, termasuk single disko tahun 1976 “Go By What's in Your Heart,” warisan sejati Gadson terletak pada karya sesinya. Kolaborasi selanjutnya mencakup beberapa generasi, bekerja dengan Beck Perubahan LautJustin Timberlake aktif FutureSex/Suara CintaHarry Styles aktif Garis Halusdan D'Angelo dan Vanguard Mesias Hitam.

Warisan dan Pengaruh:
Gaya permainan drum Gadson—yang funky, penuh perasaan, dan ritme yang rumit—telah meninggalkan jejak yang tak terhapuskan dalam musik modern. Questlove menyebutnya sebagai “breakbeats yang ditentukan,” sementara Flea mencatat, “Warisannya akan terus hidup melalui jutaan tarian gembira yang dilakukan manusia mengikuti iramanya, untuk menyembuhkan dan merasa bebas.” Kendrick Lamar bahkan meminjam pola ritme Gadson beberapa dekade kemudian, menunjukkan keahliannya yang abadi.

Jeff Parker, seorang gitaris jazz, mengenang perangkat drum legendaris Gadson: “Saya tahu pasti ada BANYAK sejarah di sana… Dia berkata, 'Itu adalah drum yang ada di banyak rekaman.'” Irama Gadson terus bergema sepanjang sejarah soul, funk, R&B, dan seterusnya.

James Gadson meninggalkan keluarga dan warisan musik yang akan bergema di generasi mendatang.

Dia berusia 86 tahun.

Chris Adler, mantan drummer Lamb of God, baru-baru ini mengingat kembali waktunya bekerja dengan Megadeth selama pembuatan album mereka di tahun 2016 Dystopia. Adler menggambarkan pengalaman itu sebagai sebuah langkah besar dalam kariernya, dan terjadi di saat yang tidak terduga.

Pada tahun 2015, saat masih rekaman dengan Lamb of God, Adler dihubungi oleh vokalis Megadeth Dave Mustaine. Mustaine bertanya apakah dia tertarik bermain drum di rekaman band berikutnya. Meskipun sibuk dengan rilisan bandnya sendiri yang akan datang, Adler menerima tawaran tersebut dan bergabung dengan Mustaine di studio.

Pada tahun 2015, saat masih menjadi anggota aktif Lamb of God, Adler menerima panggilan langsung dari Dave Mustaine dari Megadeth yang mengundangnya untuk merekam drum untuk rilisan mendatang. Meskipun jadwalnya padat dan komitmen berkelanjutan dengan bandnya sendiri, Adler setuju untuk berpartisipasi, dengan menyebut kesempatan untuk bekerja dengan Mustaine sebagai sesuatu yang bermakna dan berkesan. Meskipun jadwalnya padat dan komitmen berkelanjutan dengan bandnya sendiri, Adler setuju untuk berpartisipasi, dengan menyebut kesempatan untuk bekerja dengan Mustaine sebagai sesuatu yang bermakna dan berkesan. Saat itu, Adler sedang aktif mengerjakan album studio ketujuh Lamb of God VII: Sturm und Drang, namun ia menerima tawaran dari Mustaine dan mengikuti sesi rekaman di Nashville.

“Menerima telepon dari Dave sungguh tidak nyata,” kata Chris Adler. “Saya tumbuh dengan mendengarkan Peace Sells, jadi diundang untuk berkontribusi pada rekaman Megadeth terasa seperti momen yang sangat menyenangkan.”

Menurut Adler, sesi Dystopia dimulai hanya dengan dia dan Mustaine berkolaborasi erat pada struktur lagu awal dan aransemen drum sebelum anggota band lainnya bergabung. Adler memainkan peran kreatif kunci dalam membentuk ritme dan aransemen beberapa lagu di album, berkontribusi tidak hanya sebagai drummer sesi tetapi juga menawarkan masukan struktural dan gaya selama proses penulisan.

“Dave sangat terbuka terhadap ide,” kata Adler. “Dia kolaboratif dan ramah dengan cara yang menantang stereotip banyak orang tentang bekerja dengan artis ternama.”

Dirilis pada Januari 2016, Dystopia mendapat pujian kritis dan menandai pergeseran kembali ke akar thrash metal Megadeth. Album ini debut di No. 3 di Billboard 200 dan kemudian membuat band mendapatkan Grammy Award pertama mereka untuk Best Metal Performance untuk judul lagu di Grammy Awards Tahunan ke-59.

Meskipun proyeknya sukses, Adler tidak melanjutkan Megadeth setelah album dan tanggal tur awalnya. Tak lama kemudian, masa jabatannya dengan Lamb of God juga berakhir pada tahun 2019. Adler sebelumnya menyatakan bahwa dia diberitahu tentang pemecatannya dari band melalui email, sebuah perkembangan yang mengakhiri keterlibatannya selama puluhan tahun dengan grup tersebut.

“Saya tidak menyangka hal-hal akan terjadi seperti yang terjadi,” kata Adler. “Tetapi saya bangga dengan pekerjaan yang saya lakukan dengan kedua band, dan saya melihat kembali Dystopia sebagai sorotan.”

Sejak hengkang dari Lamb of God, Adler tetap aktif di industri musik. Dia telah meluncurkan proyek baru, termasuk band Firstborne, dan terus tampil dan merekam di berbagai genre.

Drummer metal veteran Gene Hoglan tidak memiliki rencana untuk pensiun dalam waktu dekat. Dalam wawancara baru-baru ini yang diterbitkan pada 4 Agustus oleh Strefa Music Art, musisi berusia 57 tahun itu menyatakan bahwa ia berniat untuk terus tampil baik di usia delapan puluhan, selama kesehatannya memungkinkan.

“Selama saya tetap sehat, saya tidak melihat ada masalah dengan memukul orang sampai usia delapan puluhan,” kata Hoglan dalam wawancara.

Gene Hoglan telah menghabiskan lebih dari 40 tahun tampil dengan sejumlah band metal terkenal, termasuk Dark Angel, Dethklok, Testament, dan Strapping Young Lad. Gene Hoglan telah menghabiskan lebih dari 40 tahun tampil dengan sejumlah band metal terkenal, termasuk Dark Angel, Dethklok, Testament, dan Strapping Young Lad. Dikenal luas karena kecepatan dan keterampilan teknisnya di balik drum, ia mendapat julukan “Jam Atom” dari penggemar dan rekan-rekannya.

Dalam wawancara baru-baru ini, Hoglan membahas kesehatan fisiknya dan kemampuannya untuk terus memainkan materi yang menuntut. Dia mengatakan bahwa usia tidak secara signifikan mempengaruhi stamina atau waktunya dan dia masih merasa mampu menangani intensitas yang dibutuhkan untuk pertunjukan live. Dia menjelaskan bahwa meskipun tur untuk proyek orkestra atau skor film, seperti yang dilakukan oleh komposer Bear McCreary, secara fisik tidak terlalu menuntut, transisi kembali ke pertunjukan metal yang lebih cepat dan agresif tetap berada dalam kemampuannya.

Beberapa tahun yang lalu, Hoglan secara terbuka menyatakan tujuannya untuk tampil di usia tujuh puluhan. Dia sekarang mengatakan bahwa perkiraan tersebut telah diperpanjang.

“Tujuh puluh, tujuh puluh lima, bahkan delapan puluh: itulah niat saya,” katanya, seraya menambahkan bahwa ia tidak melihat adanya alasan untuk memperlambat.

Komentar Hoglan muncul saat Dark Angel bersiap merilis Extinction Level Event, album studio pertama band ini dalam 34 tahun. Album ini dijadwalkan dirilis pada akhir tahun 2025 dan menyertakan materi yang ditulis oleh gitaris pendiri Jim Durkin, yang meninggal dunia pada Maret 2023. Hoglan, yang menjabat sebagai produser eksekutif pada rekaman tersebut, mengatakan bahwa pendekatan produksi album ini mengutamakan suara yang mentah dan autentik, dengan pengambilan gambar langsung dan pengeditan digital yang minimal.

“Kedengarannya seperti sebuah band jamming,” katanya, membandingkan prosesnya dengan metode produksi modern yang sangat bergantung pada pengeditan grid-aligned dan efek digital.

Acara Tingkat Kepunahan menandai tonggak penting bagi Dark Angel dan Hoglan secara pribadi. Materi baru ini mencakup kontribusi dari Durkin, yang telah kembali menulis untuk band sebelum kematiannya. Menurut Hoglan, rekor tersebut mencerminkan kembalinya ke bentuk semula dan penghormatan terhadap warisan Durkin.

Melihat ke belakang, Hoglan mengaku saat pertama kali merekam Darkness Descends di tahun 1980-an, ia tidak menyangka masih bisa bermain drum secara profesional lebih dari 40 tahun kemudian.

Kini, dengan materi baru yang sedang dibuat dan tidak ada tanda-tanda pensiun, Hoglan terus menjadi sosok unik di dunia heavy metal, mempertahankan tingkat performa yang melampaui ekspektasi usia.

Band heavy metal asal Inggris Iron Maiden menandai hari jadi mereka yang ke-50 dengan perubahan di belakang perangkat drum. Kolaborator lama Simon Dawson secara resmi dibawa untuk tampil sebagai drummer tur band setelah absennya anggota pendiri Nicko McBrain, yang terus pulih dari masalah kesehatan.

McBrain, yang menjadi drummer Iron Maiden sejak tahun 1982, menderita stroke pada tahun 2023. Meskipun ia tetap menjadi bagian dari band, ia telah mengundurkan diri dari tur karena keterbatasan fisik yang diakibatkan oleh insiden tersebut. Band ini mengkonfirmasi bahwa Dawson akan mengambil alih tugas drum selama tur ulang tahun mereka, dimulai dengan tur Eropa awal tahun ini.

Simon Dawson, yang sebelumnya bermain dengan bassis Iron Maiden Steve Harris dalam proyek sampingannya British Lion, dipilih karena keakrabannya dengan lingkaran musik band yang luas dan reputasinya atas konsistensi dan profesionalisme. Peralihan dilakukan secara diam-diam, dengan sedikit perhatian publik sebelum pertunjukan pertama.

Kemunculan pertama Dawson bersama Iron Maiden terjadi saat konser pembukaan tur di Budapest. Reaksi penonton kemudian beragam, dengan penggemar mengungkapkan rasa ingin tahu dan keprihatinan atas perubahan lineup sementara. Namun, ulasan dari pertunjukan berikutnya mencatat kinerja Dawson yang stabil dan pendekatan yang penuh hormat terhadap suara band yang sudah lama ada.

Dalam pesan video yang dibagikan setelah berakhirnya tanggal Eropa pada bulan Agustus, Simon Dawson berterima kasih kepada para penggemar atas dukungan mereka. “Saya tidak bisa mengatakan betapa saya menghargai dukungan yang saya dapatkan dari para penggemar,” katanya. “Sungguh luar biasa.” Pernyataannya singkat dan rendah hati, mencerminkan pendekatan bersahaja yang dia lakukan terhadap peran tersebut.

Kritikus dan penggemar mencatat bahwa Dawson menahan diri untuk mengubah gaya Iron Maiden yang dapat dikenali. Sementara beberapa orang berkomentar bahwa posisi drumnya lebih rendah dalam live mix dan yang lain merasa penampilannya kurang kecakapan memainkan pertunjukan, sebagian besar mengakui timing yang solid dan kemampuannya untuk mendukung band tanpa menarik perhatian yang tidak semestinya.

Pekerjaan Dawson sebelumnya dengan Steve Harris dipandang sebagai faktor yang berkontribusi terhadap transisi yang mulus. Meskipun British Lion adalah proyek musik yang terpisah, hubungan kerja antara kedua musisi tersebut tampaknya telah menginformasikan pemahaman Dawson tentang ekspektasi kinerja Iron Maiden.

Tidak ada perubahan lebih lanjut pada lineup yang diumumkan, dan McBrain tetap menjadi anggota resmi band. Iron Maiden belum memberikan batas waktu untuk kembalinya mereka ke pertunjukan live secara penuh.

Tur peringatan 50 tahun band ini berlanjut hingga akhir tahun 2025, dengan jadwal perhentian di Amerika Utara dan Selatan, Jepang, dan Australia.

Perwakilan resmi Iron Maiden telah menegaskan kembali komitmen mereka untuk melestarikan suara khas grup dan pengalaman pertunjukan selama ketidakhadiran McBrain. Untuk saat ini, Simon Dawson terus tampil sebagai drummer live band.

Drummer Metallica Lars Ulrich telah mengkonfirmasi bahwa band ini secara aktif mempertimbangkan untuk residensi di Las Vegas Sphere setelah berakhirnya Tur Dunia M72 mereka yang sedang berlangsung, yang dijadwalkan berlangsung hingga tahun 2026. Berbicara di The Howard Stern Show sambil mempromosikan saluran SiriusXM baru mereka, Mandatory Metallica, Ulrich membahas spekulasi baru-baru ini tentang potensi rencana band untuk tempat yang canggih.

“Tidak ada yang perlu dikonfirmasi,” kata Ulrich, “tapi kami semua adalah penggemar tempat ini, ini adalah sesuatu yang kami lihat suatu saat nanti ketika tur 2026 selesai.” Meskipun dia mengklarifikasi bahwa belum ada rencana formal yang dibuat, dia menyatakan antusiasmenya terhadap gagasan tersebut. “Saya sangat ingin melakukannya. Jangan ada pertanyaan mengenai hal itu,” tambahnya.

Ulrich menghadiri malam pembukaan U2 di Sphere di Las Vegas dan menggambarkan pengalaman tersebut sebagai sesuatu yang transformatif, menyebutnya sebagai “awal dari babak lain dalam pertunjukan live.” Dia mencatat bahwa skala dan teknologi mendalam dari tempat tersebut mewakili batas baru dalam hiburan live, sesuatu yang sangat diperhatikan oleh Metallica.

Gitaris Kirk Hammett juga memuji Sphere awal tahun ini, menggambarkannya sebagai simbol evolusi tempat live dan contoh bagaimana teknologi dan produksi mengubah ekspektasi penonton. Meskipun belum ada jadwal resmi yang dibagikan, sumber-sumber industri memperkirakan bahwa kemungkinan kemunculan Sphere dapat terjadi pada musim gugur 2026, setelah Metallica menyelesaikan tur keliling dunia mereka.

Dalam wawancara yang sama, Ulrich juga membahas spekulasi tentang kemungkinan penampilan di pertunjukan paruh waktu Super Bowl 2026, yang akan diadakan di Stadion Levi's di Santa Clara, dekat kampung halaman band di San Francisco Bay Area. “F*** yeah—tentu saja kami akan melakukannya,” katanya, seraya menyebutkan bahwa waktu dan lokasinya akan ideal. Namun, dia menekankan bahwa keputusan tersebut berada di tangan NFL dan penyelenggara acara.

Menjelang tur besar mereka berikutnya, Metallica juga akan memainkan pertunjukan intim di Stephen Talkhouse di Amagansett, New York, pada tanggal 28 Agustus, bertepatan dengan peluncuran saluran SiriusXM mereka pada hari berikutnya. Tempat dengan kapasitas terbatas ini akan menjadi tuan rumah salah satu pertunjukan terkecil band ini dalam beberapa dekade, sangat kontras dengan stadion mereka yang terjual habis saat ini.

Dengan Tur Dunia M72 yang saat ini sedang berlangsung di Eropa dan Amerika Utara, pembicaraan tentang kemungkinan residensi Sphere menandakan arah baru tentang bagaimana band-band mapan seperti Metallica mungkin melakukan pendekatan terhadap pertunjukan live di tahun-tahun mendatang. Meskipun belum ada yang diumumkan secara resmi, pernyataan Ulrich memperjelas bahwa band ini secara serius mempertimbangkan format pertunjukan yang lebih mendalam dan berteknologi maju setelah jadwal tur mereka berakhir pada tahun 2026.

Tur Volbeat di Amerika Utara saat ini mengalami perubahan yang tidak terduga pada 6 Agustus 2025, ketika drummer Jon Larsen mengumumkan bahwa dia akan absen dari empat pertunjukan mendatang karena “komitmen keluarga untuk pulang ke rumah” di Denmark. Dalam sebuah pernyataan yang dibagikan sebelumnya pada hari itu, Volbeat berbicara kepada para penggemar di sepanjang Pantai Timur, memberi tahu mereka bahwa Larsen tidak akan tampil di Charlotte (6 Agustus), Bristow (7 Agustus), Camden (9 Agustus), atau Holmdel (10 Agustus), tetapi meyakinkan penonton bahwa ia akan kembali berada di belakang drum kit untuk pertunjukan band di Bangor pada minggu berikutnya.

Melangkah ke dalam terobosan adalah drummer kawakan Jon Dette, mantan Slayer dan Testament. Dette, yang digambarkan dalam pernyataan band sebagai “seorang teman baik,” telah membuktikan keberaniannya dalam keadaan darurat serupa di awal tahun 2022, ketika dia menggantikan Larsen, yang dinyatakan positif COVID‑19, dalam waktu yang sangat singkat. Pada tahun 2022, ketika Jon Larsen harus mundur karena serangan COVID-19 yang tiba-tiba, pentolan Michael Poulsen berbagi bagaimana Jon Dette turun tangan hanya dalam waktu satu hari. Dia hanya mempunyai waktu kurang dari 24 jam untuk mempelajari 16 lagu, sebuah tantangan menurut standar apa pun, namun berhasil melakukannya, menjaga tur tetap hidup dan energi tetap utuh di setiap perhentian.

Kini, sekali lagi, Dette berada di belakang perangkat tersebut, melangkah dengan rasa urgensi dan profesionalisme yang sama. Kembalinya dia memastikan bahwa Volbeat tidak akan ketinggalan saat mereka melanjutkan tur, menepati janji mereka kepada penggemar tanpa kehilangan satu pertunjukan pun. Empat lokasi yang terkena dampak: PNC Music Pavilion di Charlotte, Jiffy Lube Live di Bristow, Freedom Mortgage Pavilion di Camden, dan PNC Bank Arts Center di Holmdel, semuanya akan menampilkan Dette sebagai drum kit.

Volbeat yang beralih ke Jon Dette sekali lagi di saat dibutuhkan menunjukkan keahliannya dan juga dedikasi bandnya kepada penggemarnya. Bahkan ketika Jon Larsen menjauh untuk berkumpul dengan keluarga, grup tersebut menepati janjinya kepada penonton. Ini adalah tindakan penyeimbangan antara tugas pribadi dan tekad profesional, yang dimungkinkan oleh jenis ikatan yang melampaui kontrak atau latihan.

Saat para penggemar menunggu kembalinya Jon Larsen di Bangor, kehadiran sementara Jon Dette memastikan bahwa denyut Volbeat tetap stabil: bukti bahwa, baik mengisi posisi di menit-menit terakhir atau mempertahankan kekuatan untuk salah satu aksi rock paling khas, seorang drummer yang andal tetap menjadi inti dari semangat penampilan band yang tangguh.

Di bawah keheningan pegunungan Vail, sesuatu yang menggelegar terjadi pada tanggal 7 Agustus. Jason Bonham naik ke panggung di Amfiteater Gerald R. Ford, bukan hanya sebagai pemain, namun sebagai penjaga warisan. Dengan bandnya, dia memberikan penghormatan kepada Physical Graffiti: album ganda penting yang, lima puluh tahun lalu, menjadi salah satu karya Led Zeppelin yang paling ekspansif dan ambisius.

Pertunjukan tersebut merupakan bagian dari perjalanan yang lebih besar: tur ke 22 kota untuk merayakan setengah abad album tersebut. Bagi Bonham, ini bukan sekedar perjalanan nostalgia melalui rekaman klasik. Itu adalah persembahan pribadi. Grafiti Fisik selalu mendapat tempat khusus di hatinya, tidak hanya karena kekayaan musiknya, tetapi juga karena apa yang diwakilinya. Dia telah mengungkapkan harapannya untuk menghidupkan setidaknya 50 pertunjukan ini, membiarkan para penggemar terhubung kembali dengan rekaman tersebut dalam bentuk penuh.

Di atas panggung, Jason Bonham dan bandnya memainkan keseluruhan album dari awal hingga akhir. “Kashmir” terdengar dengan kekuatan sinematik. “In My Time of Dying” sangat mendalam. Lagu yang jarang dibawakan seperti “Boogie With Stu” menambah kegembiraan yang tak terduga. Tapi ini bukan tentang mimikri. Setiap lagu membawa kenangan dan pengalaman hidup, yang dibentuk oleh evolusi Bonham sendiri sebagai musisi dan sebagai manusia.

Setelah set album, malam itu meluas melampaui Physical Graffiti ke dalam katalog Zeppelin yang lebih luas. “Whole Lotta Love,” “The Ocean,” “Stairway to Heaven”: masing-masing disambut dengan rasa hormat yang hanya bisa diberikan oleh waktu. Kerumunan, yang dikelilingi oleh pegunungan dan udara musim panas, ikut bernyanyi bukan hanya dari kenangan, tapi dari sesuatu yang lebih dalam: perasaan kembali.

Bonham tidak menghindar dari hal pribadi. Dia mengenang perjuangannya melawan kecanduan, bagaimana kecanduan itu mengancam akan menariknya menjauh dari segala hal yang dicintainya. Menjadi sadar, katanya, membawanya kembali ke musik dengan jernih. Hal ini juga memungkinkan dia untuk masuk ke dalam bayang-bayang ayahnya tanpa tersesat di dalamnya. Selama pertunjukan, ia bahkan bermain bersama cuplikan proyeksi ayahnya, mendiang John Bonham, menciptakan momen yang terasa lembut dan monumental.

Apa yang terjadi di Vail lebih dari sekedar konser. Itu adalah cerita yang diceritakan kembali melalui ritme. Seorang anak yang menghormati ayahnya. Seorang musisi menghormati sebuah band. Dan penonton menghormati rekor yang, bahkan setelah lima dekade, masih tetap hidup.

Tidak ada gimmick, tidak ada tontonan yang dipaksakan. Hanya suara mentah, permainan jujur, dan malam yang terasa seperti reuni sekaligus kebangkitan. Graffiti Fisik hidup kembali, bukan di masa lalu, namun tepat di sana, di detak jantung masa kini.