FLORENCE – Departemen Industri Hiburan di Universitas North Alabama telah diubah namanya menjadi Departemen Industri Hiburan Keluarga David dan John Briggs.
Penamaan tersebut dimungkinkan oleh hadiah dari Darren dan Gabriel Briggs, putra legenda musisi sesi David Briggs, dan saudara laki-laki David, John Briggs.
Berasal dari Florence, David Briggs baru berusia 14 tahun ketika dia bermain piano pada rekaman pertamanya sesi di studio James Joiner di pusat kota Florence. Selama lima dekade berikutnya, dia bermain di lebih dari 10.000 sesi rekaman dan menyumbangkan suaranya yang unik dan beragam banyak rekaman No. 1 dan ribuan rekaman yang masuk tangga lagu dalam berbagai genre.
Harold Bradley, mantan Presiden Federasi Amerika Cabang Nashville Musisi (AFM), yang mengawasi paket pensiun David pada saat dia pensiun berkata,“Berdasarkan penelitian kami, David Briggs adalah musisi yang paling banyak rekamannya dalam sejarah AFM.”
Sebagai anggota bagian ritme pertama FAME Studio milik Rick Hall, yang dikenal sebagai Muscle Shoals Rhythm Section, mereka merekam lagu-lagu dari hit penting “You Better Move On”pada tahun 1961 hingga sejumlah lagu hits lainnya hingga keberangkatan mereka ke Nashville pada bulan Desember 1964.
Angin puyuh kesuksesan ini menyebabkan Muscle Shoals Rhythm Section menjadi bandnya mendukung The Righteous Brothers dan Tommy Roe pada tanggal penting di Rock 'n' Rollsejarah – pembukaan pertunjukan pertama The Beatles di AS di Washington, DC, pada bulan Februari. 11, 1964. David adalah bagian integral dari barisan depan yang mendefinisikan suara Muscle Shoals.
Setelah pindah ke Nashville, David terus mengembangkan bakat kreatif dan keterampilan bisnisnya Sayanto sejumlah usaha yang sukses, mendirikan Quadraphonic Studio pada tahun 1970 dan Danor Perusahaan Penerbitan dengan sesama anggota Muscle Shoals Rhythm Section, Norbert Putnam.
Quadraphonic Studio menjadi studio rekaman rock/pop top utama di Nashville, dan Danor Perusahaan Penerbitan menghasilkan sejumlah lagu pop, rock, dan country hits. Artis merekam di Quad termasuk Neil Young, Jimmy Buffett, Joan Baez, The Jacksons, dan Bob Seger. Mereka menjual perusahaan tersebut pada tahun 1980.
David membuka House of David Studio pada tahun 1980 dan, beberapa tahun kemudian, membuka Will N David Musik, dengan penulis lagu hit legendaris Will Jennings. Keberhasilan yang dihasilkan dari kedua entitas menyebabkankesuksesan musik pop, rock, dan country yang lebih legendaris.
Beberapa klien yang tercatat di House of David termasuk Joe Cocker, Neil Young, Roy Orbison, BB King, Maroon Five, Dan Fogelberg, Chris Stapleton, Steve Earle, Tentara Salib, dan lainnya.
Akankah N David Musik menjadi a penerbit musik yang signifikan dalam waktu singkat, memenangkan Penerbit Musik Pop Teratas BMI Tahun 1988. Contoh kecil lagu hits dari katalog termasuk milik Whitney Houston“Bukankah Kita Hampir Memiliki Semuanya;” Single hit Steve Winwood, “Higher Love,” “Roll with It,” “Kembali ke Kehidupan Kelas Atas,” dan “Hal-Hal yang Lebih Baik;” “Air Mata di Surga” karya Eric Clapton; Ronnie “Wanita Jatuh Cinta” karya Milsap; dan lagu “Sebelahmu Di Sebelahku” dari Shenandoah.
Selain menjadi pemain piano yang paling banyak direkam bersama Elvis Presley, David juga merekam keliling dunia bersama George Harrison, Leon Russell, Dolly Parton,Neil Young, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis, Linda Ronstadt, Johnny Cash, Dan Fogelberg, JoanBaez, Al Green, Dean Martin, Willie Nelson, Brenda Lee, Pointer Sisters, JJ Cale, Bob Seger, dan lain-lain. Dia bekerja dengan lebih dari 90 artis di County musicdan aula ketenaran Rock 'N' Roll.
Dari sudut pandang sejarah, David adalah seorang jenius musik dan pengusaha. Dia memegang banyak jabatan termasuk, musisi, pemimpin sesi, artis, arranger, produser, penulis lagu hit, pemilik studio, penerbit, penulis jingle, pemilik sejumlah properti Music Row, produser acara di Gedung Putih dan di jaringan televisi besar. Aspek yang menarik dari bakatnya adalah kemampuannya untuk bekerja dengan artis-artis besar dalam berbagai genre termasuk musik pop, R&B, country, jazz, klasik, standar, dan western.
Pada tahun 1999, David dilantik ke dalam Hall of Fame Musik Alabama; pada tahun 2019, dia dilantik menjadiHall of Fame Musisi sebagai anggota Bagian Irama Muscle Shoals.
John adalah wakil presiden keanggotaan Perkumpulan Komposer, Penulis, dan Penerbit Amerika (ASCAP). Dalam peran ini, John menunjukkan berbagai kreativitas, bisnis, dan kepemimpinan keterampilan yang membawanya pada kesuksesan sebagai salah satu pemain industri yang paling berharga.
Hanya beberapa tindakanJohn yang direkrut ke ASCAP dari tahun 1985 hingga 2010 termasuk Backstreet Boys, the Chicks, Kenny Chesney, ZZ Top, Brad Paisley, Dobie Gray, Deana Carter, Shenandoah, Alan Jackson, TheCranberry, Clint Black, Jessica Simpson, Little Texas, Brian McKnight, Kenny Chesney, Gloria Gaynor, dan Garth Brooks.
Sebelum bekerja di ASCAP, John menerima gelar musik komersial dari UNA pada tahun 1983. Setelah lulus, dia menjadi manajer studio di House of David Studio and Creative Departemen di Screen Gems, Colgems, dan EMI Music.
Setelah berada di ASCAP, John bekerja dengan Estevez/Sheen Productions di Los Angeles dan merupakan produser eksekutif Jerry Lewis'sversi teater “The Nutty Professor.” John kemudian pindah ke arena keuangan, menjabat sebagaiSpesialis Industri Hiburan di US Bank diikuti dengan menjabat sebagai wakil presiden Divisi Hiburan dan Olahraga Pro dari Tower Community Bank.
Seorang pendukung seni yang berdedikasi, John telah menjadi anggota industri musik dan masyarakat sipil.organisasi yang berorientasi. Dia pernah bertugas di dewan Akademi Musik Country, Biro Bisnis yang Lebih Baik di Tennessee Tengah dan Kentucky Selatan, Nashville Asosiasi Hiburan, Kemitraan Kamar Dagang Nashville2000, Lembaga Bantuan Hukum Tennessee Tengah, Hall of Fame Musik Alabama, UNA Kabinet Presiden dan Dewan Penasihat Sekolah Tinggi Seni, Sains, dan Teknik, Pendiri Anggota dewan Lifting Lives Foundation ACM, dan Integrity Foundation BBB.
John adalah lulusan Musik Kepemimpinan dan Program Kepemimpinan ASCAP MOVE. Dia menerima Penghargaan Gubernur atas kontribusinya pada musik Amerika dan Musik Alabama Penghargaan Prestasi Industri Musik Hall of Fame.
“Terbukti dengan baru-baru ini ditunjuk ke Papan iklan Dalam daftar Sekolah Bisnis Musik Terbaik, program Industri Hiburan kami adalah yang terdepan di bidangnya, “kata Dr. Ryan Zayac, dekan Sekolah Tinggi Seni, Sains, dan Teknik. “Hadiah penamaan ini memberikan validasi lebih lanjut bahwa lulusan kami membuat nama mereka terkenal di industri yang lebih luas.
“Kami sangat berterima kasih kepada Gabriel dan Darren Briggs serta John Briggs atas penamaan program ini untuk saudaranya, David, dan Keluarga Briggs.”
WKMS music On Demand menyediakan acara radio produksi lokal favorit Anda untuk streaming selama 14 hari setelah ditayangkan! Dengarkan episode Music From The Front Porch ini, yang dibawakan oleh Nick Morris dan Mike Gowen:
Dengarkan Musik Dari Serambi Depan Sabtu dari 10-1.
Carbondale pada hari Jumat dan Sabtu menjadi tuan rumah Festival Carbondalien kedua, sebuah perayaan dari sebuah kisah yang dimulai pada 9 November 1974, ketika sekelompok remaja mengatakan kepada polisi bahwa mereka melihat bola merah yang menyala melintasi Gunung Salem dan terjun ke kolam penambangan di Russell Park. Acara akhir pekan termasuk parade, konser dan banyak kegiatan ramah UFO lainnya.
Festival Carbondalien tahunan kedua berakhir pada hari Sabtu dalam perayaan misteri alien lokal yang menjadi tradisi. Festival ini merayakan peringatan 51 tahun insiden terkenal di Russell Park yang diyakini banyak orang sebagai pendaratan darurat UFO. (FOTO GIBBON/STAFF GERI)
Festival Carbondalien tahunan kedua berakhir pada hari Sabtu dalam perayaan misteri alien lokal yang menjadi tradisi. Festival ini merayakan peringatan 51 tahun insiden terkenal di Russell Park yang diyakini banyak orang sebagai pendaratan darurat UFO. (FOTO GIBBON/STAFF GERI)
Festival Carbondalien tahunan kedua berakhir pada hari Sabtu dalam perayaan misteri alien lokal yang menjadi tradisi. Festival ini merayakan peringatan 51 tahun insiden terkenal di Russell Park yang diyakini banyak orang sebagai pendaratan darurat UFO. (FOTO GIBBON/STAFF GERI)
Festival Carbondalien tahunan kedua berakhir pada hari Sabtu dalam perayaan misteri alien lokal yang menjadi tradisi. Festival ini merayakan peringatan 51 tahun insiden terkenal di Russell Park yang diyakini banyak orang sebagai pendaratan darurat UFO. (FOTO GIBBON/STAFF GERI)
Festival Carbondalien tahunan kedua berakhir pada hari Sabtu dalam perayaan misteri alien lokal yang menjadi tradisi. Festival ini merayakan peringatan 51 tahun insiden terkenal di Russell Park yang diyakini banyak orang sebagai pendaratan darurat UFO. (FOTO GIBBON/STAFF GERI)
Festival Carbondalien tahunan kedua berakhir pada hari Sabtu dalam perayaan misteri alien lokal yang menjadi tradisi. Festival ini merayakan peringatan 51 tahun insiden terkenal di Russell Park yang diyakini banyak orang sebagai pendaratan darurat UFO. (FOTO GIBBON/STAFF GERI)
Festival Carbondalien tahunan kedua berakhir pada hari Sabtu dalam perayaan misteri alien lokal yang menjadi tradisi. Festival ini merayakan peringatan 51 tahun insiden terkenal di Russell Park yang diyakini banyak orang sebagai pendaratan darurat UFO. (FOTO GIBBON/STAFF GERI)
1 dari 7
Festival Carbondalien tahunan kedua berakhir pada hari Sabtu dalam perayaan misteri alien lokal yang menjadi tradisi. Festival ini merayakan peringatan 51 tahun insiden terkenal di Russell Park yang diyakini banyak orang sebagai pendaratan darurat UFO. (FOTO GIBBON/STAFF GERI)
Early music Seattle telah menunjuk Patricia García Gil sebagai artis perdana dari Program Artis Berkembang yang baru.
Patricia García Gil, seorang pianis dan fortepianis pemenang hadiah, telah melakukan tur ke Eropa, Amerika, dan Amerika Latin, menggabungkan ketepatan teknis dengan program yang inventif. Dia adalah Artist in Residence di Cornell Center for Historical Keyboards dan Postdoctoral Associate di Cornell University, tempat karyanya mengintegrasikan kinerja, penelitian, dan pedagogi. Proyek terbarunya termasuk rekaman karya piano lengkap Pauline Viardot yang mendapat pujian kritis dan pertunjukan dengan Smithsonian Academy Orchestra dan Ars Lyrica. Garcia Gil.
“Saya sangat bersemangat untuk berbagi program ini dengan Early Music Seattle, sebuah organisasi yang karyanya menghasilkan program yang imajinatif, inklusif, dan sadar sosial yang sangat saya kagumi,” kata García Gil melalui siaran pers resmi. “Saya juga bersemangat untuk mengungkap cerita dan musik yang belum banyak kita dengar. Pertunjukan bersejarah memberi saya cara untuk melihat ke belakang guna memahami posisi kita saat ini — dan membayangkan masa depan di mana setiap suara memiliki ruang untuk didengar.”
Untuk memperkenalkan García Gil kepada pemirsa Northwest, Early Music Seattle akan bermitra dengan Classical KING FM untuk menyiarkan programnya “Not Only Muses: Trailblazers of the Piano World pada 7 November 2025, pukul 7 malam Pasifik (98.1 FM atau online di classicking.org).
Chi-Wei Lo interviewed Hankus Netsky, past chairman of and now department advisor to the Contemporary musical Arts Department (formerly Contemporary Improvisation and Third Stream), in honor of NEC’s upcoming celebrations (Nov 15th– 22nd) honoring the legacy of composer-performer-pedagogue (and former NEC president) Gunther Schuller. The week-long festival of concerts bridges many genres, presenting lectures, panels, and other collaborative events [Details HERE].
Selected keynotes from Netsky’s “Borderless Flows” conference from University of Alberta (2022) serves as an extended preface to Lo’s interview.
“In 1972, Gunther Schuller was five years into his stint as president of New England Conservatory, a school that, only two years earlier, had almost shut its doors due to a lack of funds. The oldest music college in North America, “NEC,” as it is now known, had gone through periods of innovation before, hiring preeminent futurist Ferrucio Busoni to teach piano in the late 1800s and training the innovative African American roots-music composer Florence Price in the early years of the 20th century. Its legacy of innovation has produced many remarkable results over the years since, unlike a large university, a small private music conservatory has always had the flexibility to adapt to the times, as long as their Board of Trustees was willing to go along for the sometimes-wild ride.
But the revolution that Gunther Schuller unleashed on the school in the tumultuous 1960s and 1970s was totally unprecedented. The child of two German immigrant musicians, French horn virtuoso, composer and conductor Schuller had no academic credentials, in fact he actually never finished high school, having dropped out at age 16 in order to play his instrument with the American ballet theater. By age 18 he had become principal French horn player for the Cincinnati Symphony.
Instead of relying on academic constructs, he took his model of music education from his own “self-education” in the music room at the New York Public Library and from what he had actually experienced working in the rich musical scene of 1950s New York City, overflowing at the time with Black improvisational music, Latin music, European concert music, contemporary and experimental music of various stripes, and a multiplicity of ethnic and world music traditions. Ten years earlier, he had coined the term “Third Stream.” He was referring to artistic musical genres that had benefited from intercultural cross-fertilization, something that had been going on since at least the days of Monteverdi and that he had personally been a part of multiple times in during his years in New York, including his presence as a session player on the pivotal 1949 Gil Evans/Gerry Mulligan/Miles Davis recording, “Birth of the Cool.”
Hankus Netsky
It didn’t make sense to him that only one type of music was represented in the academy and that everything else was considered unworthy of academic transmission or recognition as art simply because it relied on oral transmission more than notation and referenced somewhere other than Europe as its place of origin. Once appointed president, he took it upon himself to re-make NEC as a very different kind of music school that focused on the overlapping of all forms of artistic musical expression. In doing so, he saved an institution that for years had been teetering toward collapse, giving the school the goal of creating not only “the complete musician” but the open-minded well-educated and well-trained musician of the future. Schuller was that unique musician who had his pulse on the artistic heartbeat of his time and, unlike any other conservatory president of that era, he knew that there could be no turning back. Twice during his ten-year tenure he resigned out of frustration but, in each case, he was lured back by a board that didn’t have any better ideas about who might lead the institution forward.
To help him along on his mission, Schuller brought on-board George Russell, a composer, pianist, drummer, theorist, and fellow high school dropout who had postulated new rules for analyzing musical compositions and improvisations using his “Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization.” Russell’s own music imagined creative collaborations between Charlie Parker and Igor Stravinsky, something Parker himself had been moving toward before his premature death at age 35 in 1955. Russell re-cast iconic American folk music warhorses as art music pieces that reflected the bleak realities of the lives of real working people, most notably, his much acclaimed “re-composition” of John Brown’s Body, “The Day John Brown Was Hanged,” and his variations on “You Are My Sunshine,” the only piece of music ever to win an award from the United Mine Workers of America. Later, he invented compositional techniques including “Vertical Forms,” juxtaposing layered rhythmic and harmonic structures so that they would not only play off each other but also converge at various junctures to create unprecedented episodes of rhythmic vitality.
Schuller also hired Joseph Gabriel Maneri, a Brooklyn-born grade-school dropout who had earned his living and his musical reputation as an improvising saxophonist and clarinetist known for jamming virtuosically on tone rows in clubs on 52nd Street while introducing futuristic interpretations of Greek ethnic dance music to the Brooklyn club scene. Maneri, a maverick microtonal composer who had studied with Alban Berg protégé Adolphe Schmidt, had actually been living in a car when Schuller invited him to move up to Boston to join NEC’s music theory and composition faculty. He remained on that faculty for over 35 years and was considered one of the school’s most revered and innovative instructors during that time.
To teach Non-Western Music and ethnomusicology Schuller brought in Peter Lyman Row, a sitarist who had earned doctorates from both Wesleyan and Benares Hindi University. Row had distinguished himself not only as a scholar but also as the only non-Indian ever to win the gold medal in the All-India Music Competition. As legend has it, the year after Row won the award, the folks who ran the contest decided to take down the screen that they had been using to ensure fairness in their judging in order to make sure that a non-Indian never won the competition again.
And then there was (and still is) Ran Blake. Schuller had discovered Blake in the late 1950s when he began showing up at Atlantic’s studio recording sessions, offering to sweep the floors if he might be allowed to listen in while such artists as Ray Charles and Chris Connor recorded some of their now classic LPs. A graduate of Bard College, Blake had teamed up fellow Bard student Jeanne Lee, a singer whose artistic presence and gravitas went even a step beyond that of the contemporaneous actress/singer, Abbey Lincoln. As a duo, they created what Schuller dubbed “The Newest Sound Around,” the title he lent to their debut 1962 RCA recording. As with Ornette Coleman and Cecil Taylor, two musicians whose creations Schuller had lauded well before most musicians knew what to make of them, Schuller decided that Blake was yet another genius, even if virtually no one else could comprehend it at the time.
Blake hardly even read music, which made him a somewhat surprising choice to head a department at an American conservatory. Creative music, in his mind, was an aural art and, as he said in a 2022 Downbeat interview, he’d prefer it if his students “saved their eyes for Picasso and Grandma Moses.” He was well aware that, in its recorded form, most great music expressed personal conceptions of phrasing that had no relationship to any score. Blake’s approach was to insist on detailed listening that enabled the student to “internalize” every detail of the music they were using as a point of departure. He would ask his students to listen carefully, then sing what they heard and then teach their instruments to match the sounds and phrasing that they expressed with their voices. Then he would challenge them to make new and, ideally, spontaneous versions of what they had internalized, versions that reflected their own personalities and perhaps also expressed a story line a la “film noir” or, for those who had no interest in such plotlines, maybe something more akin to the day-to-day exploits of one’s cat. In any event, the goal he set before them was to give whatever music they learned a new spin that no one else might have been able to come up with, as he has continued to do throughout his 60-plus-year recording career.
Eventually, working in tandem with Row, Maneri, vocalists Geraldine Martin and Dominique Eade, Russell and, beginning in 1978, the author of this article, Blake went about trying to conceptualize curricular and performance opportunities that enabled students to engage with the intense alchemy that he knew could emerge if only Charles Ives had had the adventurous spirit to seek close musical relationships with Billie Holiday, Thelonious Monk and Ali Akbar Khan, and the four of them had shared multiple servings of Jack Daniels’ Kentucky bourbon on the Greek Riviera.
The program went on to attract students interested in trying out such an approach, in fact two of them organized the present conference. Another Blake student currently chairs the music department at Columbia University and, until recently, another chaired the music department at Wesleyan University. Yet another Blake protégé developed a music curriculum at a State University in Massachusetts that has made innovative music education affordable for everyone. Meanwhile, for more than 50 years, Blake has continued to teach students by drawing on his own experiences in becoming an enduring and open creative musical force.
Initially known as the “Third Stream” program, Blake’s open incubator for inclusive musical innovation became the “Contemporary Improvisation” department in 1992, when cellist Larry Lesser, NEC’s president at the time, observed that the time of “Third Stream” had come and gone and, beginning in the fall of 2021, “Contemporary Musical Arts.” Not long ago, a special task force convened by the College Music Society, a national organization comprised of College and University faculty members, published a “Manifesto For Progressive Change in the Training of Undergraduate Music Majors,” suggesting that music schools and departments develop radically new curricula that address the needs of 21st-century musicians. Reading their manifesto (for which the lead author was maverick Ann Arbor-based music educator, Ed Sarath) seemed to me precisely like reading an account of what Blake and Schuller had set in motion 50 years ago at NEC.”
* * *
ChiWei Lo
Chi-Wei Lo: Gunther Schuller founded the Third Stream Department in 1972; it became the Contemporary Improvisation Department in 1992 and, more recently, the Contemporary Musical Arts Department in 2022. I’m curious, what inspired the most recent name change, and how do you see the evolution of these names reflecting the department’s identity over time?
Hankus Netsky: I actually think it would have been better if “Contemporary Musical Arts” had been the name all along! The term “Third Stream” was pretty arcane even by the 1970s. NEC president Larry Lesser requested the 1992 switch for that reason (I remember him asking “Isn’t Third Stream something from the 1950s?”). Gunther Schuller was at that meeting and gave the change to Contemporary Improvisation (then-Provost, Peter Row’s idea) his blessing. When he coined the term, he intended it to be used as an adjective, but critics turned it into a noun, and he went along. Current president, Andrea Kalyn, requested the latest change, pointing out that improvisation is only part of the skill set that we teach. We put it to our faculty, and I came up with “Contemporary Musical Arts” one night at 4 AM (!) — and our faculty liked that name. I think it describes the musical world we live in and the diverse music scene that we prepare our students to be part of.
You’ve said that Gunther Schuller envisioned NEC as a place where all musical boundaries could overlap, from Black improvisational and Latin music to European concert, experimental, and world traditions. Where do you think we are on that path today at NEC? Are we now seeing the full bloom of that vision in NEC’s current community?
I think the CMA department sees that vision as our vision, but I can’t really speak for the school overall — better to ask the current president and Dean. Gunther transformed the school in the late 1960s by hiring many faculty who shared his vision. Shortly after Gunther retired as President, the school became much more compartmentalized (or “departmentalized”) and, in the 1980s, 1990s, and early 2000s. It seemed to me like the administration was primarily interested in competing with Julliard, Curtis, Oberlin, USC and Eastman for the top classical players at that time, and the classical music world was then and still is largely focused on competing to attract potential competition winners. NEC tried to do that by hiring top classical faculty artist/teachers and expanding their orchestral program and specific niche departmental requirements, which made it difficult for “classical majors” to participate in our ensembles or classes. Also, on at least three occasions that I remember, the school actually considered eliminating our department.
While the jazz department remained strong, CMA became less of a presence in that era, but Ran Blake (our department head from 1972 until 2005) continued to steer things as best he could, according to what he saw as Gunther’s vision — and, of course, Gunther was still around, still local, and still somewhat involved with the school. When Tony Woodcock arrived as president in 2007, he turned things around somewhat, touting our program as “the signature program of NEC.” He let us expand our faculty and let us grow to the point that as Gunther put it, his “vision had been realized,” especially regarding our partnerships with NEC’s chamber music, music theory and music history departments. At one point during that administration’s tenure, the school included five ethnomusicologists on the faculty, all of whom were also well-known as performing musicians. After Tony’s stint as president ended it seemed to me that things took a more conservative turn again, especially in regard to faculty hiring and course offerings, for example, the number of electives our department offers was reduced by four. The current administration seems to be interested in moving things forward again, especially in regard to teaching a 21st-century technological skillset but, in my opinion, technology is a tool for musicians to use, not so much something that can replace one’s actual musical skillset. I’m still hopeful that, as the school moves forward, the administration will hire more faculty outside our department who share our vision. Meanwhile, we’ve been excited about collaborations with those that do, for example Cameron Stowe in collaborative piano and Bruce Brubaker and Steve Drury in piano performance, Ken Schaphorst in Jazz, and former Wind Ensemble conductor Charles Peltz, all of whom have initiated exciting cross-genre projects involving students and faculty from our department.
Where do you see the department heading in the coming years?
I think that’s a better question for the current department heads, Eden and Farayi. I stepped down this past summer. But my wish would be for the school to embrace the concept of training all of our students to be ready for 21st century musical careers, and I do think they should look to our department for guidance on how to do that since we’ve been doing it for over fifty years and our graduates have impressive track records. Some (Don Byron, John Medeski, Aoife O’Donvan, and Sarah Jarosz, for example) have become iconic performers, composers, and improvisers, and others (Cris Wahburn, Eric Charry, Albin Zak, and Alan Williams, for example) have earned reputations as groundbreaking educators in their own right.
You were very close with Gunther Schuller. Beyond assembling a faculty of groundbreaking musicians, in what other ways did he actively cultivate and implement these forward-looking ideas within NEC’s culture. What were some ideas that laid the foundation for what we see today?
The idea of jazz education, not as a vocational workbook-oriented discipline but as an artistic heritage taught by significant innovative musical artists.
The idea of a “Contemporary Musical Arts” program that produces composer/performer/improvisers who can flourish in a post-genre musical world.
The idea of a school that encourages collaborative projects and ensembles involving students across departments and disciplines.
The idea of learning music’s oral traditions AS oral traditions.
The intensity of our musical life (which, I believe, started when, in 1977, Gunther programmed Gurrelieder and Wozzeck in the same semester – and has never really quieted down since then).
An emphasis on interdisciplinary collaboration.
An emphasis on training students to have a critical eye and to see through the “hype” that often permeates “fusion projects” and the like in our contemporary musical landscape.
An emphasis on the importance of musicians having high-level aural skills at a time when many other schools have very much ratcheted down their standards in that regard.
The idea that the artistic musical world is one continuum in an era when so many other schools have chosen to educate their students as specialists in one musical genre, niche, or discipline. -A World Music performance legacy, replete with ensembles that teach Indian, Persian, Middle Eastern, African, African-American, Bluegrass, Irish, Gospel, Brazilian, Jewish, and American Roots traditions.
The idea of an expanded musical cannon that goes way beyond the Western musical cannon.
What was Gunther Schuller like as a mentor? To him what were the most important qualities of a “compleat musician”?
It was all about versatility, knowing how to synthesize musical genres, and the ability to speak and be creative using multiple musical languages. As a mentor he let you know his opinions, but I also found him very open to hearing mine. The bottom line was that he set the example for me of what a career as a composer, arranger, performer, and conductor looked like and my career followed that path.
And as an educator — are there any particularly memorable moments or lessons that stand out to you?
If you were willing to put in the work, he empowered you to do things that seemed way beyond your ability. The most memorable moment for me was when I improvised an oboe solo based on the music of Thelonious Monk at the end of a Third Stream concert in 1975. After the concert he told me to see him in his office the next morning and, when I got there, his desk was filled with the hardest virtuosic contemporary oboe music one could imagine. I wasn’t even an oboe major, but he told me that he had decided to give me the oboe chair in the new “Contemporarly Music Ensemble” that he was launching at NEC. I protested that the music was way too hard – and he countered that what I had improvised the night before was on a higher virtuosic level than any of the scores on his desk! I joined the group and remained in that position until I got my Masters Degree in 1978.
Do you have any favorite stories about Gunther Schuller that capture his personality or philosophy?
Gunther wanted all of us to expand our listening list to be more inclusive in every way possible. After one of the Contemporary Ensemble concerts that I wasn’t involved in he stopped me in the hall and asked me what I thought of the repertoire. I told him that my favorites in the program were the selections composed by George Russell, Charles Ives and Charles Mingus. But the group has also performed All Set by Milton Babbit and, at the time, it really didn’t resonate with me. He expressed his disappointment and told me that he felt strongly that it was the best piece on the program and I needed to re-consider. Many years later I had the opportunity to put it together myself, and it was one of the most rewarding experiences of my musical career!
Do you believe every musician should learn to improvise and compose, and develop the ability to learn different genres by ear?
It depends on your definition of a musician but, in my career, I hardly ever work with musicians who can’t do all of those things, including Itzhak Perlman, whom I’ve worked with now for 30 years and is so much more than a violin virtuoso! And for anyone looking for a career in music in the future, I would highly recommend that they develop all of those skills because, in pretty much every case, they’ll get the gig over someone who doesn’t have them.
During the weeklong celebration of Gunther Schuller’s 100th birthday, you and Eden MacAdam-Somer are curating the Contemporary Musical Arts Department’s concert on Tuesday, November 18th, titled CMA Today: A Global Vision Realized. Could you share more about the conception of this concert and the ideas behind the repertoire choices? Is the entire department involved in the performance?
Yes, they certainly are! But we’ll also be featuring students with specific expertise, for example two of our students composed pieces based on Gunther’s “Magic Tone Row.” A piece that I arranged features a native Yiddish speaker from our department and requires the instrumental soloists to be fluent in traditional Jewish cantorial improvisation. Another one contrasts the percussion background of virtuosic soloists drawing on Chinese, Haitian, and Persian rhythmic traditions. There’s an original Americana song, students channeling the innovative musical languages of Ornette Coleman (really a Schuller discovery) and NEC graduate Cecil Taylor. There are selections that originated with Jelly Roll Morton, Billie Holiday and Sweet Honey in the Rock, and our emeritus Char, Ran Blake who turned 90 this past year and selections that reach across multiple genres. I’m pretty sure that it’s just as Gunther would have wanted it.
A multi-instrumentalist, composer, and ethnomusicologist, Hankus Netsky is the Department Advisor of New England Conservatory’s Contemporary Musical Arts Department and founder and director of the Klezmer Conservatory Band, an internationally renowned Yiddish music ensemble.
Pianist, improviser, arranger, and the co-founder of Psychopomp Ensemble, Chi-Wei Lo is an Assistant Professor of Composition at Berklee College of Music, and teaches theory at the New England Conservatory.
Soundgarden, grup rock grunge asal Seattle, dilantik ke dalam Rock and Roll Hall of Fame pada upacara bertabur bintang di Peacock Theatre pada Sabtu malam. Sebelum mereka menerima penghargaan dari komedian Jim Carrey dan menyanyikan “Black Hole Sun,” dan “Rusty Cage,” band ini melakukan refleksi bersama di belakang panggung tentang perjalanan kacau mereka menuju jajaran rock abadi dan dampak abadi dari kepergian vokalis mereka, Chris Cornell.
“Saya menyukai kehormatan ini dan saya sangat bahagia untuk para penggemar kami,” kata bassis Ben Shepherd. “Saya tidak sabar untuk bermain.”
Bagi gitaris Kim Thayil, ada validasi dalam pelantikan mereka yang ia ingat dari percakapannya dengan Cornell. “Chris akan berkata, 'Ingat bagaimana Anda dan saya, dan [bassist] Hiro [Yamamato] akan duduk-duduk di sebuah ruangan dan berbicara tentang band yang sangat kami sukai…dan itu mempengaruhi kita untuk bermain bersama?” Itu seperti, 'Yah, kita seharusnya menjadi band seperti itu. Band yang membuat kita ingin berkumpul dan bermain musik.'”
Anggota Soundgarden (dari kiri) Kim Thayil, Matt Cameron, Chris Cornell dan Ben Shepherd pada tahun 2014.
(Jack Plunkett / Jack Plunkett/invision/ap)
Pelantikan itu sudah lama terjadi bagi Soundgarden. Mereka awalnya terbentuk pada tahun 1984 dan terus bergerak ke garis depan kancah rock indie underground dengan label seperti Sub Pop dan SST sambil melakukan tur keliling negara dengan van Chevy merah. “Rasanya seperti berkemah dengan kantong tidur,” kenang Cameron. “Saya ingat saya membawa selimut biru ini untuk tidur.”
“Saya akan membawa sarapan sendiri. Saya akan membawa pendingin, dan saya akan menaruh sereal dan yogurt di sana,” kata Yamamoto. “Orang-orang ini akan pergi ke rumah Denny setiap hari. Saya tidak bisa melakukan itu!”
Setelah pindah ke A&M Records, Soundgarden menghabiskan tahun 1990-an dengan menciptakan beberapa album paling inovatif, berat, dan dinamis di generasi mereka. Rekor-rekor inovatif seperti “Badmotorfinger,” “Superunknown” dan “Down on the Upside.” Soundgarden dibubarkan pada tahun 1997 tetapi kembali bersatu 13 tahun kemudian pada tahun 2010 dan kembali mengerjakan musik dan tur.
Meskipun penghargaan Rock Hall sangat berharga, ketidakhadiran Cornell – yang bunuh diri setelah konser di Detroit pada tahun 2017 – membawa sedikit kesan suram dalam perayaan tersebut. “Senang sekali mendengar kekuatan musik yang kami ciptakan, tapi juga sangat pahit karena kami tidak memilikinya [Chris] bersama kami,” kata drummer Matt Cameron. “Dalam beberapa kesempatan di mana kami menampilkan musik ini sejak kematiannya — hanya beberapa kali — ini memberdayakan, tetapi juga benar-benar pahit.”
Sementara itu, rekan band Cornell terus mengerjakan koleksi lagu yang mereka rekam bersamanya sebelum dia meninggal. “Saat kami bisa mengerjakan musiknya lagi, semuanya kembali pada betapa kuatnya musik itu dan betapa berartinya musik itu bagi kami,” kata Cameron. “Saya pikir kami akan melakukannya hanya dengan niat untuk menjadikannya alami dan nyata, yang pada tahap permainan ini, ada beberapa hal yang terdengar luar biasa.”
Reuni dengan Yamamoto – yang meninggalkan Soundgarden sekitar tahun 1989 – untuk pertunjukan Rock Hall sangat memeriahkan perayaan tersebut. Segera setelah band ini memulai salah satu lagu awal mereka, “Entering,” saat latihan di Seattle, Shepherd mengenang dengan sedikit kekaguman bahwa, “Itu langsung terdengar seperti Soundgarden.”
“Itu adalah salah satu hal di mana saya mungkin membuka YouTube dan meminta orang lain mengajari saya cara memainkannya lagi,” kata Yamamoto sambil tertawa. Meski begitu, Shepherd memotret momen tersebut dan dengan gembira mengirimkannya ke teman-temannya.
“Kami tidak yakin bagaimana cara kerjanya, tapi Hiro sangat mudah beradaptasi dan dia adalah musisi yang luar biasa sehingga terdengar hebat sejak awal,” kata Cameron. “Banyak musik low end, tapi band ini selalu memiliki kehadiran bass yang cukup besar dalam musik kami. Itu sangat bagus.”
Penerima penghargaan Kim Thayil dari Soundgarden, Taylor Momsen dan penerima penghargaan Matt Cameron dari Soundgarden tampil di atas panggung pada Upacara Induksi Hall of Fame Rock & Roll 2025 di Peacock Theater pada 08 November 2025 di Los Angeles, California.
(Amy Sussman/WireImage)
Untuk menghidupkan vokal Cornell di Peacock Theatre, Soundgarden beralih ke sepasang pemain muda yang kuat. Brandi Carlile dan vokalis Pretty Reckless Taylor Momsen. Keduanya adalah penggemar berat Soundgarden dan mewakili pengaruh grup ini terhadap generasi musisi berikutnya setelah mereka. Ini adalah sesuatu yang sangat mereka banggakan.
“Masih mengejutkan, tapi itu adalah sesuatu yang mungkin ada dalam wishlist kami sebagai sesuatu yang kami harapkan,” kata Thayil. “Jika kita jujur pada diri kita sendiri dan jujur pada apa yang kita ciptakan serta jujur pada cara kita berkomunikasi bersama, maka hal ini seharusnya terjadi. Namun hal ini tetap merupakan sebuah kejutan dan tetap mengharukan.”
“Senang rasanya bisa berkontribusi pada kontinum musik dan semoga generasi muda terinspirasi oleh apa yang kami lakukan dengan band ini, yaitu ekspresi diri dan kolaborasi serta memercayai naluri Anda sendiri dan hal-hal seperti itu,” kata Cameron. “Saya pikir itu adalah hal yang bagus untuk disampaikan kepada musisi muda lainnya.”
Mengenai siapa yang menurut mereka harus mengikuti Soundgarden ke Aula selanjutnya, Thayil punya beberapa pemikiran. “Alice in Chains tentu saja adalah hal pertama yang terlintas dalam pikiran,” katanya. “Saya terkejut mengetahui bahwa keenam orang ini tidak ada dalam Hall of Fame: Sonic Youth, Motorhead, Iron Maiden, the Pixies, the New York Dolls, dan Black Crows.”
Dengan tujuh band pelajar yang dipamerkan dan pertunjukan musik live selama lebih dari dua setengah jam, Pertunjukan Musim Gugur 2025 dari Boston College music Guild adalah tempat yang wajib disaksikan. Para siswa berbondong-bondong ke Vandy Cab Room pada Kamis malam untuk menghadiri acara tersebut, baik untuk mendukung teman-teman mereka atau sekadar untuk bergoyang dan mendengarkan beberapa lagu sebelum keluar malam.
Pejalan kaki
(Jenny Krasic / Staf Ketinggian)
Band pertama yang tampil di panggung adalah Pedestrian. Grup ini dibuka dengan “Fall Back” oleh Porch Light, lagu pengantar tidur rock-and-roll yang membuat penonton bergoyang maju mundur. Vokal penyanyi utama menjadi sorotan, tetap kuat dan halus sepanjang set.
Pedestrian meningkatkan tempo dengan lagu keduanya, “I Write Sins Not Tragedies” oleh Panic! At The Disco, yang menampilkan bass intens dan vokalis bergantian. Gaya vokalnya juga bimbang, mulai dari lirik berbisik hingga tegas. Pedestrian menutup set mereka dengan lagu orisinal yang melenting, yang mendapat tepuk tangan hangat dari penonton.
Mungkin Bandnya
(Jenny Krasic / Staf Ketinggian)
Pejalan kaki diikuti oleh Perchance the Band. Itu dibuka dengan penuh perhatian dengan membawakan lagu “Before He Cheats” karya Carrie Underwood yang fantastis. Kekuatan dan jangkauan vokal sang vokalis dengan sempurna menangkap perasaan lagu tersebut. Namun, bakat band ini benar-benar bersinar dalam dua penampilan berikutnya, yang keduanya orisinal.
“Throw It Away” menampilkan solo gitar dan drum yang brilian, serta harmonisasi yang menakjubkan antara vokalis dan vokalis wanita pada bagian refrain lagu tersebut. Chemistry antara para penyanyi juga terlihat pada “Slow It Down,” lagu asli kedua dari Perchance. Grup ini menyelesaikan set mengesankan mereka dengan “Dani California” oleh Red Hot Chili Peppers dan “Runaway Baby” oleh Bruno Mars.
Tiburon
(Jenny Krasic / Staf Ketinggian)
Tiburon, dalam debut live band tersebut, membawakan sentuhan jazzy pada penampilan malam itu. Mereka dibuka dengan membawakan lagu “Love On Top” dari Beyoncé yang menampilkan penampilan vokal yang mendebarkan. Dengan pemain saksofon, pemain terompet, dan pemain keyboard, band ini menampilkan cover yang sepenuhnya unik dan menyenangkan.
Temponya ditingkatkan dengan “Musta Been a Ghost” oleh Próxima Parada, dan kemudian diperlambat lagi dengan penampilan yang sangat manis dari “If I Ain't Got You” oleh Alicia Keys. Tiburon menutup set mereka dengan lagu “Gravity” yang sama lembutnya oleh John Mayer.
Surat di bulan Juni
(Jenny Krasic / Staf Ketinggian)
Band keempat yang tampil adalah Letters in June, yang menampilkan musik rock and roll yang kumuh dan keras. Ada banyak hentakan rambut saat sang vokalis menghempaskan dirinya ke panggung dengan riuh sepanjang set.
Tanpa memperkenalkan lagu-lagu mereka, dan liriknya hampir tidak terdengar, musik apa yang sebenarnya mereka bawakan menjadi ambigu. Namun dalam pertunjukan yang tidak diragukan lagi penuh semangat, Letters in June mempertahankan vitalitas musik malam itu dan menghibur penonton.
Penggerak Buta
(Jenny Krasic / Staf Ketinggian)
Berikutnya adalah Blind Drive, yang dibuka dengan lagu ikonik “Whole Lotta Love” oleh Led Zeppelin. Ini diikuti oleh “Tarian Terakhir Mary Jane” yang sama populernya oleh Tom Petty dan Heartbreakers. Dengan setlist yang mudah dikenali, penonton dapat dengan senang hati bernyanyi bersama sang vokalis.
Band ini diikuti dengan dua lagi penonton yang menyenangkan—penampilan kedua “Dani California” malam itu, dan “Valerie” oleh Amy Winehouse. Yang terakhir ini mendapat teriakan “encore” dari penonton, yang dijawab dengan “This Love” oleh Maroon 5 untuk mengakhiri set yang memuaskan.
Mendung
(Jenny Krasic / Staf Ketinggian)
Pertunjukan kedua dari belakang malam itu datang dari Mendung. Mereka dibuka dengan “All I Wanted” oleh Paramore. Penyanyi utama adalah sorotan band, karena vokalnya yang luar biasa tinggi memberikan kekhasan pada lagu cover mereka.
“Habits” oleh Tove Lo dan “Ignorance” oleh Paramore mempertahankan mood musik grup, yang tercermin dalam namanya. Itu ditutup dengan lagu paling menyedihkan, “Creep” dari Radiohead. Meskipun tidak ada lagu-lagu ceria, Overcast secara musikal solid secara keseluruhan.
Pintu Keluar Jerman
(Jenny Krasic / Staf Ketinggian)
Pertunjukan Musim Gugur BC Music Guild diakhiri dengan satu set dari German Exit. Mereka menampilkan scream metal, dengan nada yang sama seperti Letters di bulan Juni.
Meski jumlah penonton sudah berkurang secara signifikan pada waktu yang ditentukan, German Exit menyanyikan lagu-lagu mereka dengan penuh semangat. Melompat-lompat, bersemangat dan penuh semangat, band ini merefleksikan energi tinggi secara keseluruhan pada malam itu.
COLUMBUS – “Deck the Halls” melayang di seberang Main Street pada Jumat pagi, menandakan bahwa musim liburan telah resmi tiba di pusat kota. Untuk yang pertama
Black music Sunday adalah serial mingguan yang menyoroti semua hal tentang musik Kulit Hitam, dengan lebih dari 285 cerita yang mencakup artis, genre, sejarah, dan banyak lagi, masing-masing menampilkan soundtracknya yang dinamis. Saya harap Anda akan menemukan beberapa lagu yang familier dan mungkin perkenalan dengan sesuatu yang baru.
Sudah lama sekali saya tidak menyanyikan lagu anak-anak, namun saya memiliki kenangan indah saat menyanyikannya di sekolah, di gereja, dan di perkemahan. Saat membahas berbagai genre musik, saya akui saya belum memikirkan musik anak-anak sebagai genre tertentu, dan hanya memposting klip berbagai musisi terkenal yang tampil di program seperti “Sesame Street.” Aku bahkan tidak menyadari fakta ituGrammy penghargaan dalam kategori tertentu.
Hari ini adalah peringatan satu tahun meninggalnya Ella Jenkins di usia 100 tahun, yang dijuluki “Ibu Negara Musik Anak-Anak” dan Anda tidak perlu menjadi seorang anak kecil untuk menghargai kontribusi, seni, dan sejarahnya.
Itu Orkestra Simfoni Chicago memiliki lebih banyak tentang Jenkins dan kariernya yang panjang:
Meskipun tidak memiliki pelatihan musik formal, Ms. Jenkins kemudian menjadi komposer, vokalis dan instrumentalis, termasuk ukulele, organ pipa, harmonika dan perkusi.
Dia dipuji karena meletakkan dasar bagi genre musik anak-anak dan menginspirasi seniman musik anak-anak generasi masa depan. “Tidak ada orang yang berbuat lebih banyak untuk generasi muda dalam sejarah musik Amerika selain Ella Jenkins,” kata musisi anak-anak Dan Zanes.
“Istilah 'musik anak-anak' seringkali mengacu pada lagu-lagu yang khusus untuk pengalaman mereka,” kata Zanes. “Ella ahli dalam hal ini, tapi sepertinya [folk-blues artist] Lead Belly, ia juga memberikan lagu anak-anak yang menjadi jendela dunia luar. Serikat pekerja, multikulturalisme, sejarah Afrika Amerika, spiritualitas. semuanya ada di sana, alami dan mengundang.”
Selama tujuh dekade karirnya, Jenkins menerima banyak penghargaan, termasuk Lifetime Achievement Award dari Recording Academy pada tahun 2004, dan pada tahun 2017, National Heritage Fellowship dari National Endowment for the Arts atas dedikasi seumur hidup terhadap musik rakyat atau seni tradisional. Dia adalah satu dari hanya 12 orang yang diakui sebagai Penerima Warisan dari Smithsonian Center for Folklife & Cultural Heritage.
Saya menantikan untuk membaca biografi yang baru diterbitkan “Inilah Irama: Ella Jenkins, Musik Anak-anak, dan Gerakan Hak Sipil yang Panjang” oleh Gayle F. Wald, yang diwawancarai di Media Publik Illinois tahun ini:
Situs web Jenkins memiliki lebih banyak hal tentang kehidupan awalnya dan pendidikan musik otodidaknya:
Jenkins lahir dari keluarga kelas pekerja Afrika-Amerika di St. Louis, Missouri, pada tanggal 6 Agustus 1924. Keluarganya pindah ke Chicago dan Jenkins dibesarkan di South Side kota, sering berpindah-pindah untuk pergi ke lingkungan yang lebih “pusat kota”. Kehidupan keluarga dan lingkungannya menjadi dasar pendidikan musiknya—setiap gerakan memungkinkan Jenkins merasakan ritme, sajak, dan permainan di setiap lingkungan baru, yang bisa berbeda meskipun hanya berjarak beberapa blok. Dia terpesona oleh Paman Flood-nya, yang memainkan harmonika, dan di sampingnya dia akan memainkan ritme pada kotak oatmeal, keranjang sampah, dan panci masak. “Saya secara alami berirama,” katanya, “dan akan mencoba meniru suara paman saya dengan bersiul. Tapi ibu saya tidak menyukainya, mengatakan bahwa wanita baik dan gadis muda tidak bersiul.” Namun ibunyalah yang membawanya ke toko musik untuk membeli harmonika pertamanya. Kakaknya mengajarinya lagu-lagu yang dia pelajari di perkemahan musim panas.
Setelah lulus kuliah di San Francisco, Jenkins kembali ke Chicago dan bekerja di pusat komunitas dan untuk YWCA di mana dia mulai membuat lagu untuk anak-anak. Pertunjukan di jalanan menyebabkan kemunculannya pada tahun 1956 di program televisi anak-anak usia dini Klub Totemdi WTTW Channel 11, yang mengarah ke Ini adalah Iramasegmen penuhnya sendiri di acara itu. Odetta dan Big Bill Broonzy menjadi bintang tamu. Sejak itu ia menjadi musisi penuh waktu wiraswasta, berkeliling dunia untuk berbagi musiknya dengan anak-anak dan belajar dari mereka lagu dan cerita budaya mereka sendiri.
Dia Biografi pembuat sejarah melanjutkan ceritanya:
Suatu hari saat tampil bersama anak muda di jalan, dia diundang untuk tampil di acara televisi publik, Klub Totem. Diminta untuk kembali lagi dan lagi, Jenkins menggubah musiknya sendiri untuk pertama kalinya. Moses Asch, pendiri Folkways Recordings, menawarkan untuk merekam lagu-lagunya. Pada tahun 1956, Jenkins meninggalkan pekerjaannya di YWCA untuk menjadi penyanyi folk profesional dan dibebaskan Panggilan dan Respon: Nyanyian Grup Berirama tahun berikutnya. Jenkins digambarkan sebagai orang yang berbicara kepada anak-anak, bukan kepada mereka. Anak-anak, bahkan mereka yang berasal dari latar belakang yang sangat berbeda, begitu terpesona dengan musik Jenkins sehingga dia mulai mengajar anak-anak secara internasional, merayakan keindahan dan nilai dari beragam budaya.
Penghargaan yang diterima Jenkins termasuk penghargaan Pioneer in Early Television, Parent's Choice Award, penghargaan dari Ravinia Festival, KOHL Education Foundation Lifetime Achievement Award, dan Cook County Children's Hospital Meritorious Service Award. Dia pernah menjabat sebagai delegasi AS ke Hong Kong, Tiongkok, dan bekas Uni Soviet di Pusat Seni Pertunjukan John F. Kennedy. Smithsonian Folkways Records telah memproduksi lebih dari 30 album Ella Jenkins sejak tahun 1956. Generasi anak-anak memiliki pemahaman yang lebih dalam tentang dunia melalui musik partisipatifnya.
Dia ditampilkan oleh Smithsonian dalam video tahun 2024 ini:
Saya suka mendengarkan dia menyanyikan beberapa lagu yang saya ingat nyanyikan selama Gerakan Hak Sipil seperti “Wade in the Water.”
Yang paling saya hargai adalah keragaman materinya, yang mencakup berbagai budaya, bahasa, dan agama.
Berikut lagu Ibrani “Shabbat Shalom,” yang biasanya dinyanyikan untuk menyambut awal hari istirahat mingguan Yahudi:
“Que Bonita Bandera” adalah lagu tentang bendera Puerto Rico. Itu menjadi lagu kebangsaanPesta Tuan Muda pada akhir tahun 60an dan awal tahun 70an.
Saya sangat terkejut mendengarnya bernyanyi“Yemayah” dari tradisi spiritual diaspora Afrika saya.
Laurel Graeber menulis fitur ini untuk Waktu New Yorksebelum Jenkins meninggal:
Ketika Ella Jenkins mulai merekam musik anak muda pada tahun 1950an dan 60an, albumnya menampilkan lagu-lagu yang mungkin tidak pernah diimpikan oleh banyak orang tua dan guru pada masa itu untuk diputar untuk anak-anak: sebuah nyanyian cinta dari Afrika Utara. Lagu tepuk tangan Meksiko. Nyanyian pertempuran suku Indian Maori. Dan bahkan “Another Man Done Gone,” sebuah ratapan geng berantai Amerika yang liriknya dia ubah, mengubahnya menjadi seruan kebebasan.
“Dia menemukan cara ini dalam memperkenalkan anak-anak pada topik dan materi yang terkadang sangat sulit, tetapi dengan kelembutan,” kata Gayle Wald, profesor studi Amerika di Universitas George Washington dan penulis biografi Jenkins yang akan datang. “Dia tidak pernah berbohong kepada mereka. Dia tentu saja tidak pernah meremehkan mereka.”
Pendekatan Jenkins yang tidak ortodoks menghasilkan kesuksesan besar: Dia adalah artis individu terlaris dalam sejarah Smithsonian Folkways Recordings, bahkan melampaui pendukung label seperti Woody Guthrie dan temannya Pete Seeger. Jenkins, yang memperjuangkan keberagaman jauh sebelum istilah ini menjadi populer, membantu merevolusi musik bagi kaum muda, dan dengan sengaja memberikan semangat kepada anak-anak kulit hitam.
Saya akan menutupnya dengan penampilan live-nya yang menyenangkan di tahun 2006, “I Know a City Called Okeechobee.” Pertunjukan tersebut merupakan bagian dari acara penghormatan atas karier dan warisan Jenkins dengan ikon musik folk dan anak-anak seperti Pete Seeger dan Sweet Honey in the Rock. Itu terinspirasi oleh album pemenang Grammy “cELLAbration: A Tribute to Ella Jenkins.”
Apa saja lagu anak-anak yang menjadi favoritmu? Beri tahu saya di bagian komentar di bawah, dan bergabunglah dengan saya di sana untuk mendengarkan lebih banyak musik.
Chi-Wei Lo interviewed Hankus Netsky, past chairman of and now department advisor to the Contemporary 
